㈠ 十二音音乐的基本乐理入门知识
乐理中所说的十二音音乐由勋伯格于20世纪二十年代初创建，在乐理中有关它的基本知识非常多。下面我给大家带来十二音音乐的基本 乐理知识 ，欢迎阅读!
十二音音乐的基本乐理知识解析
现代派作曲手法之一。由奥地利作曲家勋伯格于1921年创立。作曲家放弃传统的调式、调性与和声体制，将半音音阶中的十二个音任意排成一个音列，然后以倒置、逆行等技法加以处理，除非所有的音都出现过，否则任何一个音不得重复。贝尔格、韦伯恩(Webern, 1883-1945)继承此法并有所发展。其他作曲家受此法影响者有达拉皮科拉、斯特拉文斯基、沃尔夫、布里顿、兴德米特、箫斯塔科维奇等。
20世纪上半叶，随着人类科学文明的突飞猛进、社会发展的跌宕起伏，创立新的艺术观和新的音乐语言的作曲家大量出现，流派的复杂与风格变换的频繁超过了历史上任何一个时期。这些在20世纪上半叶的钢琴音乐中反映为：以阿诺德·勋伯格为代表的“表现主义”，以伊戈尔·斯特拉文斯基、保罗·兴德米特等为代表的“新古典主义”和以贝拉·巴托克为代表的“新民族主义”。其中，以勋伯格为创始人的新维也纳乐派的“表现主义”十二音音乐在音乐语言上最为极端。
十二音音乐的基本乐理知识介绍
勋伯格是十二音序列音乐的开山鼻祖，创作于1908年的《3首钢琴曲》是第一部完整的无调性作品。经过近10年的实验，勋伯格于1923年发表了第一首完整的十二音音乐作品《钢琴组曲》，完成了严格的十二音音乐作曲技术体系。勋伯格的作品虽然音乐语言晦涩难懂，却蕴含着丰富的戏剧性力量。而勋伯格的两位弟子在继承他创作体系的基础上，各自开创了一条新的道路。阿尔班·贝尔格在十二音音乐中揉入了更多的旋律因素，减弱了音乐语言的艰深程度;而另一位弟子安东·韦伯恩创作手法虽然简洁，但音乐语言却比勋伯格更加晦涩。然而，韦伯恩进一步发扬了序列音乐的思维，为后世开创了整体序列音乐写作的先河。
关于谁是真正的十二音技法的创造者?这个问题至今尚存有争议，中世纪有人使用过十二音作曲;俄国作曲家斯克里亚宾的“神秘的和弦”也是十二音作曲的例证;德国作曲家杰夫·戈里谢夫曾在1914年写过一首明显的十二音音乐作品。但不管怎么说，勋伯格及其弟子们在研究前人作曲技法的基础上，把十二音技术发展成为现代作曲的一种技法，并在世界音乐史上产生过重大影响，这点却是不容置疑的。
十二音音乐的基本乐理知识概述
十二音技法音乐是现代西方作曲技巧之一，亦称十二音体系，它是现代表现主义音乐的一个流派。产生于第一次世界大战前夕，1911年发生在绘画界。德国的俄罗斯画家康定斯基与画家马克尔、马克等创办了《青骑士》杂志，其中不仅刊登了康氏等人的绘画，而且还发表了许多关于绘画、诗歌、戏剧等方面的表现主义理论 文章 ，其中奥地利音乐家勋伯格的着作掀起了音乐史上表现主义的狂潮。
十二音技法音乐在美学思想和创作技巧上与印象派截然不同，他们认为艺术既不应该“描写”，也不应该“象征”，而应该直接表现人类的精神与体验。这种观点与绘画上的表现主义一脉相承，即通过艺术揭示人类的心灵世界，把疯狂、绝望、恐惧、焦灼等病态情感以及人类不可思议的命运相互掺杂在一起。
该技法在作曲技巧上是绝对反传统的，完全无视过去的调性规律、和声功能规律，而是把八度中十二个音给以同等的价值，抛弃过去主音、属音、下属音等观念，使无调性占有绝对统治地位。由于旧有的旋律轨迹被破坏，使得旋律既不均衡，又无反复，仅仅是一连串独特的音的连续。节奏上也难以捉摸，几乎无拍子可言，打破了过去的平衡，故而显得非常自由自在。在乐队编制和配器上也绝不追求过去的庞大与音响的夸张，而是采取精致而纯朴的我制，带有明显的室内乐性质，但色彩上不像印象主义那样悠闲与冷漠，而是单纯、明快而强烈。
最早试验十二音技法的作曲家一般首推奥地利作曲家豪埃尔。以后经过音乐表现主义人物奥地利作曲家勋伯格及其弟子贝尔格和韦伯恩的多年摸索，他们均以各自的实践证明了这种新思维在音乐创作中的可能性。他们作曲的基本技法是：所有十二个半音按固定顺序组成音列，音列中的每个音不能重复，它没有主题的概念，仅仅是一个骨架，一个渗透在使用它的作品中的音乐概念。1923年，勋伯格的《五首钢琴曲》和室内乐《小夜曲》;贝尔格的《小提琴协奏曲》、小歌剧《璐璐》;韦伯恩的《钢琴变奏曲》(作品 27)、《六首小曲》(作品9)等均是他们的代表作。
基础乐理知识
1：音(Tone)
是一种物理现象。物体振动时产生音波，通过空气传到耳膜，经过大脑的反射被感知为声音。人所能听到的声音在每秒振动数为16-2000次左右，而使用到音乐中的音(不含音)，一般只限于每秒振动27-4100次的范围内。音的高低、强弱、长短、音色取决于物体的振动。
2：音色(Tone-color)
指音的感觉特性。发音体的振动是由多种谐音组成的，包括基音和泛音，音色是由泛音的多少及泛音之间的相对强度决定的。人们区分音色的能力是天生的，音乐的颜色分为人声音色和器乐音色。人声音色分高、中、低音，并有男女之分;器乐音色中主要分弦乐器和管乐器，各种打击乐器的音色是不同的。
3：共鸣(Resonance)
共鸣指的是一种振动。当一个发音体振动时，引起了 其它 物体的振动，并发出了声音，产生了共鸣。
4：基音(Fundamental tone)
物体振动时所发出的频率最低的音是基音，其余的为泛音。基音决定音高。
5：泛音(Harmonic overtone)
除了发音体整体振动产生的最低的音是基音，以基音为标准，其余1/2、1/3、1/4等各部分也是同时振动，是泛音。泛音的组合决定了特定的音色，并能使人明确地感到基音的响度。乐器和自然界里所有的音都有泛音。
6：音高(Pitch)
音高是用一秒钟的振动的次数来表示的。频率多则音高，频率少则音低。目前国际通用的标准音"a"，是每秒振动440次的声音。
7：音名(Pitch name)
音名指西洋乐制中代表固定音高的名称。这些名称没有统一，在各个国家是不同的。被广泛采用的是：C D E F G A B。
8：唱名(Syllable names)
唱名是指音阶上各音的名称。通常使用1do、2re、3mi、4fa、5sol、6la、7si。大调的主音用1do，小调的主音用6la。
9：音域(Compass)
人声或乐器所能达到的最低音和最高音之间的范围就叫音域。音域可分为总的音域和个别音域、人声和乐器音域。
10：调性(Tonality)
调性指调式类别与主音高度。在乐曲中，主音是旋律、和声的核心，其它音与之发生从属关系最后中止在主音上。这样的乐曲就是有调性的乐曲。
11：音阶(Scale)
指调式中的各音，从以某个音高为起点即从主音开始，按照音高次序将音符由低至高来排列，这样的音列称为音阶。音阶由低到高叫做上行，由高到低叫做下行。我们今天所说的音阶，就是以最普遍的大音阶(大调)与小音阶(小调)为主。
12：五声音阶(Pentatonic scale)
由五个音构成的音阶。多用于民族音乐的调式。如：do、re、mi、sol、la、(do)。 13：大调(Major mode)
调式的一种。七声音阶，其相邻二音的间距分全音与半音两种。其音阶除第三、四两音间与第七、八两音间为半音外，其余均为全音。大调的色彩较为明朗。
14：小调(Minor mode)
调式的一种，七声音阶有"自然小调"、"和声小调"、"旋律小调" 、"现代小音阶"四形式。小调的色彩一般较大调黯淡，常用来表达悲哀、忧郁的情绪。自然小调(小音阶)的二三两音间与五六两音间为半音。
15：纯律(Just intonation)
与十二平均律不同。音阶中各音与主音的关系均为纯音程。由于这样形成的半音无法分平均，所以不能随便转调，现已被历史所淘汰。
16：主音(Key-note)
调式音阶里的第一音。十二平均律(Temperament)音律的一种。把一个八度音均分为十二个半音，半音的音程都是相等的。钢琴、竖琴等乐器均按此律定弦。
17：半音、全音(Semi tone、Whole tone)
将一个八度音分成十二等份，每一份为半音，两个半音相当于全音。半音相当于小二度，全音相当于大二度。
18：协和音程与不协和音程(Consonant,Dissonance)
根据协和的程度可分为完全协和音程(纯1、4、5、8度)和不完全协和音程(大、小3、6度)。除此之外都是不协和音程
19：音程(Interval)
指两音之间的距离。计算音程的单位称"度"，两个音之间包括几个音节就称几度。度数相同的音程又因为其所含半音和全音的数目不同而有纯、大、小、增、减等区别。
20：十二音体系 (tweleve-tone system, tweleve-note system)
㈡ 如何学习乐理知识
我爸爸是二胡教师 二胡算是弦乐里比较好学的 你如果乐理知识一般就是简单分为 节拍和音准 可以听着 节拍分为2分音符 4分音符 8分音符等等 如果你只是娱乐的话 找准16音符就可以 就是一小节分为16拍 6级之内就够用 音准就是二胡的音准是内弦是 1 外弦是 5 你可以找一个老师先入门 后面的你可以找你的家人帮你念谱子 或者你会盲文 可以自己记录 因为贝多芬只是少数 你也没有之前的音乐培养 在学习二胡时 试着发音 这样有利于你找音准 不懂的可以再追问我
㈢ 请问在网上䏻看到或听到有关乐理知识和声的讲座吗诚心的表示感谢
初学吉他
1）我一点基础也没有，可以学吉他吗？
在我看来，毫无基础的人如同一张白纸，比那些曾经学过一点但因练习不得法而养成了不良习惯的人学吉他成功的可能大一些。不识谱不是什么问题，在初级班或基础班的课程里都会教识谱和必要的乐理知识。但是光有兴趣还不够，还得有恒心和毅力以及充足的练习时间。吉他不是老师教会的，而是自己练会的。从学琴第一天起你就要下决心放弃看电视、逛街和玩游戏，保证每天一小时以上的练琴时间。所以每一个学吉他的人都应该买一把自己喜欢的吉他，把它当作朋友，爱护它，培养感情。吉他的最好的保养方法是每天弹。
2）初学者用什么样的吉他比较好？
有些想学吉他的人听说要自己买一把吉他用作每天练习，就变得犹豫不决，其实如果连买一把吉他都舍不得就趁早放弃学吉他的想法。不仅要买琴，还要学会调音（除了常用的相邻弦比较法，还有更科学有效的“泛音调弦法”）。每次上课最好能把自己的吉他带来，因为初学者对吉他的音色不熟悉，听力没有得到充分的训练，调弦的准确性难以保证，而且新吉他或者新换的琴弦很容易松，需要一段时间才会逐渐稳定下来。
笔者认为，尼龙弦的古典吉他比较适合于初学者用，因为尼龙弦比较柔软，左手按弦轻松，进度会快一些。另外，尼龙弦吉他的音色与钢琴接近，既能独奏又能伴奏。建议大家在买琴时要另买备用弦（尼龙的第四弦和钢丝的第三弦相对寿命最短）。用古典吉他的另一个原因是，中低档的钢弦民谣吉他音色好又好弹的可遇不可求，而且不是每一把琴都适合换成尼龙弦（有些琴换弦以后音量会变小，音色也变得沉闷）。女生的手较小，力度也小，建议用中号的古典琴，左手不可留长指甲。
3）从零开始学一般需要多长时间才能学会？
那要看“学会”的标准是什么，你对自己的要求有多高。笔者从初学至今已有十年，以古典独奏为主，有扎实的演奏功底和丰富的教学经验。记得当年用过的一本《权威吉他练习曲集》的前言中说，练完这一本练习曲至少需要五年时间！本人的体会是，吉他是不可能速成的，即使是学民谣吉他弹唱也需要一段时间适应，同时还要积累乐理知识。但如果方法科学，练习勤奋的话，初学3至6个月就会打下良好的基础，以后完全能自学。笔者当年是学了6个月时进步最快，重要的基础都是上大学前掌握的。初学的几个星期的练习是比较枯燥的，但练到一定程度时可以弹完整的乐曲时就越练越好玩了。
4）女孩适合学吉他吗？
吉他不是男生的专利。智力和悟性与性别无关。女孩心细、手巧、有耐心都是优点，但有些人忙于逛街和打扮自己，难以保证足够的练琴的时间。只要专心勤奋，多思考，多总结，女孩也可以把吉他弹得很好的。当然，女孩的手较小可以选用中号的琴，练琴一段时间后指尖长了茧按弦就不会痛了。女孩手指关节的柔韧性好，通过适当的训练发挥潜能，往往比男生进步的速度还快。此外，女生唱歌的音域较高，喜欢唱的歌可能老师不熟悉，么就自己多唱谱，多与同学交流，不妨练练二重奏。
5）哪些人不适合学吉他？
不是每个人都适合学吉他，确切地说，有些人会比较容易中途放弃，影响进步的因素也很多。有以下这些特点的人请慎重考虑是否真的下决心学吉他。太忙、坐不住、没恒心、做事没计划、想学吉他只是为了好玩或者是因为觉得玩电吉他的人“酷”、容易分心（练琴要专心，持之以恒，所以那些正在参加英语、日语会计等培训的学员，最好暂时不要报名学吉他，等培训结束后再学）……
音乐是听觉的艺术，所以跟听有关的能力、习惯也是影响学吉他前途的重要因素，例如：通常情况下，建议以下这些人不要学吉他：学过外语但发音很差的人（外语好并且学过第二外语听力较好的人则可能学吉他有一些优势）；只因为听过某一首名曲觉得好听，特别想学吉他自己来演奏的人（只想学名曲，却不愿下功夫练基本功的人即使学会了一两首乐曲也很难继续提高，因为在学难度过于高的名曲的过程中，他们多数会养成一些不良的演奏习惯）；打字不盲打，不按科学的指法的人；沉迷于游戏或电视又从不听广播的人（没有好的自制力的人，多半吃不了苦，会半途而废）；只喜欢听摇滚和说唱歌曲，不喜欢听古典音乐的人；自学能力差的人。
6）吉他只有六根弦，怎么能弹奏出那七个音呢？
其实有很多乐器的弦数比吉他还少，比如：冬不拉、马头琴、三弦、小提琴和琵琶，相对而言，吉他的弦数还算多的，也因此有它的优势——音域宽广，和声性好（了角解一下吉他的发展历史就会知道，吉他曾经是五根弦，后来加了一根低音弦，它才得以充分的发展和普及，并且与钢琴和小提琴并称为“三大乐器”。
吉他的每一根弦都可以弹出“那七个音”（八度音阶），相同音高的音可以在几个不同的位置弹出，但音色和难度，所以吉他的表现力很强，一个好的吉他手应学会根据需要选择不同的把位来演奏，但首先要练好第一把位（即左手食指按第一品格），而且要学会识谱，掌握基本的乐理。
7）要不要学识谱？学简谱、六线谱还是五线谱？
不学识谱的后果是什么？老师手把手地教会你一首曲子，你就只会弹这一首，无法自学新的曲子，没有听过的更学不会。既然决定要学吉他就要改掉凭印象学唱歌的惯，而应该根据乐谱的节奏准确地演奏。学识谱其实并不难，我感觉关键是学会打拍子，理解各种音乐符号的意义和用途。
简谱简单易学，适于记旋律；六线谱（包括记和弦的方格谱）直观，记的就是音位，但不利于记忆；五线谱比较专业，最科学，标注指法也很方便，大量的古典吉他练习曲和独奏乐曲都是用五线谱记的（这些练习曲多数都很好听，又有针对性，对打基础帮助很大。学弹唱的人开始觉得一些和弦指法很难或者和弦转换很吃力，先几首古典练习曲来练，将会有很大的改善）。所以从长远看，用五线谱是首选。但是五谱一开始读起来反应会比较慢，需要多读谱，慢慢适应，并且尽量用固定唱名法。
8）一共有多少种调，吉他学用的有几种？
大调有十二种，小调也有十二种。吉他曲常用的有C（关系小调Am）、G（关系小调Em）、D、A、E、F。
9）一共有多少个和弦，常用的有几个？
理论上和弦有成百上千个，但常用的只有几十个，但只会用这些最普通的和弦效果比较单调。和弦有各自不同的属性和色彩，精心编配的和弦才有味道，与众不同才容易被人记住。但为歌曲编配和弦伴奏要有丰富的乐理知识和演奏经验。也有不少乐手是用吉他作曲的，还经常是突发灵感先写好一段和弦再谱旋律的，那需要很好的乐感。
10）学吉他应该用固定唱名法还是首调唱名法？
固定唱名法适于器乐演奏，首调则便于记忆。笔者的建议是二者皆用：C调和G调音阶是基础，大部分的歌曲都可改编在这两种调来伴奏（可采用变调夹），但古典独奏曲还常用到DAEF等调（不可用变调夹）。
11）学吉他的日常练习有哪些？
音阶练习：锻炼双手的配合；高把位音阶练习有助于锻炼左手四指的谐调性（小指力弱，不灵活，应多练）。分解和弦：锻炼右手手指的灵活性和速度，有助于熟悉多种节奏型；琶音练习：锻炼和弦转换的能力，增强右手的稳定性，提高控制能力；圆滑音练习：增加左手指的力度，锻炼右手拨弦时机把握的能力；双音练习：包括八度双音、三度双音、六度双音等等，有助于熟悉左手的各种指型，增强右手各指的谐调性；视奏练习：常读五线谱，分析指法编排规律。
12）学吉他是左手困难大还是右手困难大？
初学者普遍感觉左手（即按弦的手；若是左撇子则用右手按弦，左手拨弦）的困难大，经常是按弦按不紧，很吃力，而且手指很难分开或者容易碰旁边的弦，食指的横按法也是个难点。使用尼龙弦则左手会轻松一些。练琴两周后一般指尖会长茧，那时左手已经度过了“适应期”，每天可以胜任一两个小时练习。
学吉他到了一定程度后，右手的困难会变得明显些，因为此时对音色，力度、速度等方面的要求提高了，而往往初学时没有对右手的训练给予足够的重视，甚至会养成一些不良的拨弦习惯，比如大姆指拨弦时手掌会移动；拨弦方向不与琴弦垂直等等。吉他初学者还经常会有盲目求快的毛病，这样的结果是节奏不准确，音不连贯，其实是“欲速则不达”。我建议是，先求稳再求快。
13）如何锻炼左手手指的灵活性和耐力
左手练习的目标是做到音连贯、各指既能独立（比如食指横按时，其余手指仍要放松，可以按弦）又互相配合。另外，小指力弱，应该经常代替无名指使用，多锻炼。笔者总结了一套“保留指练习法”，可以有效地锻炼左手手指的灵活性和耐力；至于和弦转换，应遵循“先弹者先按，不弹者不按”的原则，让手指有机会在演奏过程中得到短暂的休息。
14）学吉他会遇到哪些难关？
各人手的先天条件各不相同，所以所谓的“难关”也是相对而言的，一般地有：和弦转换、横按法、双音、高把位音阶、轮指等等。另外，读谱和调音也是需要多练才能掌握的，也是“熟能生巧”的道理。
15）如何分配各项练习的时间？
每天总的练习时间应不少于一小时，复习与学习新曲相结合（各占一半时间），特别要动脑筋针对自己的“难点”来安排练习，练习要有明确的目的性。音阶练习和分解和弦练习是每天练琴的必不可少的内容。在初学阶段，左手可能无法胜任长时间的练习，那么可以多做一些右手的空弦练习（不能看右手拨弦）。另外，视唱和读谱也是很有益的（学新曲前都有必要仔细读谱，分析乐句和难点的指法，了解节奏的特点）。
16）学古典还是学民谣？
由古典转民谣易，由民谣转古典难。古典独奏有丰富的有针对性的练习曲，是前人智慧的总结，应充分利用。弹唱歌曲若没有鲜明特点的华彩（前奏、间奏），将大失颜色。民谣弹唱要求一心多用，弹、唱配合，以唱为主，入门相对容易些；但无论是古典还是民谣都无法速成，没有人天生就会和弦的，都需要逐渐适应。弹唱多用六线谱，但过于依赖六线谱也不好，那样只记得指法，而且六线谱和简谱都很容易印错，有五线谱与六线谱对照时，应以五线谱为准。喜欢唱歌的人适合学民谣弹唱，喜欢听古典音乐的人可以考虑学古典独奏。
17）什么样的教材是适合初学者用的好教材？
好的教材应该是内容循序渐进，每课内容有针对性并配有相应的练习，乐理知识穿插其中，适合于初学者自学练习。市面上民谣弹唱的书很多，不断出新歌的吉他弹唱曲，但作为入门用的教程就不多了，特别是结合了古典练习曲的教程。笔者当年用的主要是两本书：《古典吉他有声教程》和《权威吉他练习曲》，都是江伟杰编着的，算是比较正统的古典吉他教程。在学琴约四年以后，我才学会弹唱，主要是弹与唱的配合这一关，有古典独奏的基础后，弹唱的和弦转换游刃有余，自己不唱，给别人伴奏完全没问题，但自己一开口唱就容易出错，因为练独奏的几年里很少唱歌，会唱的都有是一些老歌，后来学的也多是十年前的流行歌曲，比如齐秦、罗大佑。
我教过的学生当中，有不少自己已买过一两本吉他歌本或弹唱教程的，我会为初学的学员推荐练习书中的曲目，有时是另外提供短小的古典练习曲（这种练习曲要求能背谱演奏，严格按照已标明的指法弹，虽然很短小，最短的只有四句，但比盲目地去弹名曲效果好得多），但最好是重买一本我推荐的教材。
18）老师的作用是什么？
老师最主要的作用是示范、建议和及时纠正学生的错误。我总觉得教一个没有接触过吉他的学员要比教那些自己学过一、两首曲子（一般都只记得指法，不会识谱），特别是练过“半首名曲”（比如《爱的罗曼斯》第一段，很多人一开始就想学这个曲子，但第二段太难，第一段也有个别难点）的人更轻松些。那些一上来就练名曲的人有点急功近利，没有耐心练练习曲，结果是效率低，事倍功半，还往往养成不良习惯，纠正比重新学还要难！
19）一个星期只上一次课够不够？
每次上课后，我会给学员布置练习作业，前两周还无法练习完整的乐曲，主要是熟悉C大调的音阶和右手空弦的分解和弦节奏练习。当年我每天练习的时间有2至4小时，开始学练习曲时也最多是一星期学会一首曲子（现在学习新曲的速度要快很多，因为很多指法都已经很熟悉了，读谱也没有什么困难，但要练到背谱演奏的程度也需要几天时间）。
有不少学员感觉一周上一次课似乎太少了，但往往他们不能保证每天足够的练习时间，一周下来并没有完成我所布置的任务，还常常迫使我放慢教学进度（来上课时要花几十分钟时间陪着学员练习）。总的说来，练习得越多进步越快，自学能力越强学习的进度越快。我教过的学生当中学得最快的是一个小学五年级的小男孩，他接受能力很强，我教他识谱只用了几分钟时间，而且他比较不怕疼，每天能保证一小时左右的练琴时间。成年人也有成年人的优势，至少手指的力量大一些，可往往进步很慢原因就是被工作或生活中其他事分心，无法保证每天足够的练习时间。
20）吉他初学者有哪些常见误区？
吉他初学者有各种各样的误区，以下列出比较普遍的，这些误区都或多或少地阻碍了进步：
把名曲当作练习；只学六线谱；只重视左手；不按原谱的指法弹；唱词不唱谱；热衷于扫弦而不练分解和弦；只求快而不注意音色；不读谱，不思考……
急于学名曲，难度超出自己的能力，容易打击自信心，养成不良习惯，事倍功半。只学六线普，只记得指法，不利于自学新曲，没听过的曲子很难学，节奏乱。只重视左手，音色差，配合失误多，顾此失彼。唱词不唱谱，凭印象唱歌，学不会新歌，喜欢抢拍子。不按原谱指法弹，演奏的缺点是不连贯，节奏不准确；不有科学指法的习惯，会限制进一步的提高。不练习分解和弦，右手不灵活，伴奏单调。求快不求稳，欲速则不达，演奏缺乏表现力。不读谱，不思考，进步缓慢，知其然有知其所以然。
掌握了基本法，学会便很快，但娴熟要勤练。
㈣ 音乐基础知识乐理
要想真正入门音乐，懂得音乐，我们就要学习音乐基础知识乐理!以下是音乐基础知识乐理，一起来学习吧!
学习音基的意义【1】
音基是音乐基础知识的简称，是音乐学习的必修课，学好音基是走入音乐世界的第一步。
1、在传统的器乐学习、声乐学习过程中，教师很少单独把音基、乐理视唱练耳的内容单独教授，通常是融合器乐学习过程中教授，这样大大延长了器乐教学的时间进度以及教学效果。
单独把音乐基础知识的内容提取做成一个体系式的课程，涉及到音乐理论、视唱练耳、音乐常识等内容进行专项指导，会让孩子对音乐有一个宏观的认识，这样再去学习钢琴、小提琴等器乐时，老师则能过更加关注于技巧及音乐表现力的讲解，在已有音基基础上，使孩子更容易接受新的知识，大大提高音乐学习效果。
2、音基学习是任何器乐学习的必修课，音基本身的重要性也在日益增加。在今年教育部的小学生素质教育施行纲要里，明确把大力开展儿童音基学习放进了规划中，这对儿童教育全面发展有着重要的意义。
在小学阶段，“字母”、“数字”和“音符”是孩子学习的三大领域。
“字母”就是英语学习。随着社会发展，国际化是必然趋势，英语作为国际语言，是每个孩子走向未来应该具备的能力。
“数字”就是数学学习。数学是与人们生活息息相关的基础学科，也是每个人都必须掌握的，但奥数学习就需要因人而异了，并不应该强求每个孩子都学习奥数。
“音符”就是音乐学习。“字母”和“数字”多年都是各个学校比拼的重点。而“音符”则是被中国传统教育长期忽视的领域。儿童素质教育在今天越来越被国家和家长重视，音乐是一种无国界的语言，音乐素养对孩子成长过程带来的帮助不言而喻，国家切实希望每个孩子都要懂得五线谱和乐理知识，具备一定的音乐素养，这就是音基—音乐基础知识。“让每个孩子懂得生活的美，那你就大声唱出来吧”——这曾经是很多中关村小学的艺术口号，也就是现在事实上就是音基的课程。
3、音基包含乐理知识、视唱练耳内容、以及音乐常识三方面，在阳光音基的体系中，还有一类就是儿童作曲这一类，这四项学习之后，我们希望看到的是孩子们都可以懂音乐、爱音乐、在音乐的陪伴中快乐成长。
音乐乐理基础知识大全【2】
第一章 音及音高
音是由于物体的振动而产生的
音有高低、强弱、长短、音色等四种性质。
音的高低是由于物体在一定时间内的振动次数(频率)而决定的。振动次数多，音则高;振动次数少，音则低。
音的长短是由于音的延续时间的不同而决定的。音的延续时间长，音则长;音的延续时间短，音则短。
音的强弱是由于振幅(音的振动范围的幅度)的大小而决定的。振幅大，音则强;振幅小，音则弱。
音色则由于发音体的性质、形状及其泛音的多少等而不同。
由于音的振动状态的规则与不规则，音被分为乐音与噪音两类。音乐中所使用的主要是乐音，但噪音也是音乐表现中不可缺少的组成部分。
第二节 乐音体系音列音级
在音乐中使用的、有固定音高的音的总和，叫做乐音体系。
乐音体系中的音，按照上行或下行次序排列起来，叫做音列。
乐音体系中的各音叫做音级。音级有基本音级和变化音级。
乐音体系中，七个具有独立名称的音级叫做基本音级。
基本音级的名称是用字母和唱名两种方式来标记的。
字母体系：C D E F G A B
唱名体系：1 2 3 4 5 6 7
钢琴上白键所发出的音是与基本音级相符合的。钢琴上五十二个白键循环重复地使用七个基本音级名称。
两个相邻的具有同样名称的音叫做八度。
升高或降低基本音级而得来的音，叫做变化音级。将基本音级升高半音用“升”或“#”来标明。降低半音用“降”或“b”来标明。升高全音用“重升”或“×”来标明。降低全音用“重降”或“bb”来标明。
如：升C或#C 降C或bC
第三节 音的分组
为了区分音名相同而音高不同的各音，我们将音列分成许多个“组”。
在音列中央的一组叫做小字一组。它的音级标记用小写字母并在右上方加数字1来表示。
比小字一组高的组顺次定名为：小字二组、小字三组、小字四组、小字五组。
小字二组的标记用小写字母并在右上方加数字2来表示。
比小字一组低的组，依次定名为小字组、大字组、大字一组及大字二组。
小字组各音的标记用不带数字的小写字母来表示。
大字组用不带数字的大写字母来标记。
大字一组用大写字母并在右下方加数字1来标明。
大字二组用大写字母并在右下方加数字2来标明。
第四节 音域及音区
总的音域是指音列的总范围，即从它的最低音(C2——c5)间的距离而言。
个别的人声或乐器的音域是指在整个音域中所能够达到的那一部分，如钢琴的音域是A2——c5。
音区是音域中的一部分，有高音区、低音区、中音区三种。
在整个音域中，小字组、小字一组和小字二组属于中音区。小字三组、小字四组和小字五组属高音区。大字组、大字一组和大字二组属低音区。
各音区的特性音色在音乐表现中，有着重大的意义。高音区一般具有清脆、嘹亮、尖锐的特性;而低音区则往往给人以浑厚、笨重之感。
第二章 音律
乐音体系中各音的绝对准确高度及其相互关系叫做音律。
将八度分成十二个均等的部分——半音——的音律叫做十二平均律。
半音是十二平均律组织中最小的音高距离。两音间的距离等于两个半音的叫做全音。八度内包括十二个半音，也就是六个全音。
在音列中的基本音级中间，除了E到F、B到C是半音外，其余相邻两音间的距离都是全音。
根据复合音的第二分音和第三分音的纯五度关系，即由某一音开始向上推一纯五度，产生次一律，再由次一律向上推一纯五度，产生再次一律，如此继续相生所定出的音律叫做五度相生律。
纯律是于五度相生律用以构成的第二分音和第三分音之外，再加入第五分音来作为生律要素，构成和弦形式。
第四节 自然半音和自然全音变化半音和变化全音
由两个相邻的音级构成的半音叫做自然半音。如;e—f #e—#f #g—a
由相邻的两个音级形成的全音叫做自然全音。如：C—d C—#d ba—bB
由同一音级的两种不同形式所构成的半音，叫做变化半音。如：C—#C D—bD bbB—bB
由同一音级的两种不同形式或隔开一个音级所构成的全音，叫做变化全音。
如：B——bbB #C——bE
第五节 等音
音高相同而意义和记法不同的音，叫做等音。
第三章 记谱法
记录乐曲的方法叫做记谱法。
第一节 音符与休止符
用以记录不同长短的音的进行的符号叫做音符。
用以记录不同长短的音的间断的符号叫做休止符。
第二节 五线谱
用来记载音符的五条平行横线叫做五线谱。
在五线谱上面的加线叫上加线。下面的叫下加线。
由于加线而产生的间，叫做加间，在五线谱上面的加间叫上加间，下面的叫下加间。
第三节 音符与休止符的写法
音符包括三个组成部分：符头(空心的或实心的椭圆形标记)、符干(垂直的短线)和符尾(连在符干一端的旗状标记)。
用单符干记谱，符头在第三线以上时，符干朝下，写在符头的左边;在第三线以下时，符干朝上，写在符头的右边。符头在第三线上，符干朝上朝下都可以，根据邻近的符干方向而定。符尾永远写在符干的右边并弯向符头。
附点写在音符符头和休止符右边的间内，而不记在线上。
第四节 谱号
通常用的谱号有三种：
G谱号：表示小字一组的g，记在五线谱的第二线上，叫高音谱号;
F谱号：表示小字组的f，记在五线谱的第四线上，叫低音谱号;
C谱号:表示小字一组的c， (中音谱号又称为三线中音谱号 次中音谱号又称为四线中音谱号)
第五节 增长音值的补充记号
附点：是记在符头右边的小圆点，带有一个附点的音符，增长原有音符时值的二分之一。带有两个附点的音符，，增长原有音符时值的四分之三。
附点音符也同样适用于休止符。
延音线：用在音高相同的两个或两个以上的音符上时，表示它们要唱成一个音，它的长度等于这些音符的总和。(在单声部音乐中，连线永远写在和符干相反的方向。)
第六节 变音记号
用来表示升高或降低基本音级的记号叫做变音记号。
变音记号有五种：
1.升记号：(#)表示将基本音级升高半音。
2.降记号：(b)表示将基本音级降低半音。
3.重升记号(×)表示将基本音级升高两个半音(一个全音)。
4.重降记号(bb)表示将基本音级降低两个半音(一个全音)。
变音记号可以记在五线谱的线上和间内;可以记在音符的前面和谱号的后面。
记在谱号后面的谱号叫做调号。
第七节 省略记号
1.移高八度记号用8-------------，记在五线谱的上面，表示虚线范围内的因移高八度;记在五线谱的下面，表示移低八度。
2.重复八度记号 用数字8记在音符的上面或下面，表示该音要高八度或低八度重复。
3.长休止记号 在五线谱的第三线上记以长休止符，并写出所要休止的小节数。如：3
4.震音记号
表示一个音或一个和弦，两个音或两个和弦迅速均匀地交替。用斜线标记。斜线的'数目和符尾的数目相同。
5.反复记号
乐曲部分或全部重复时，可使用反复记号。
乐曲中的某一旋律音型重复时，用斜线表示，斜线的数目与音符的符尾数目相同。
乐曲中一次或多次重复某一小节是，用点加斜线点表示。该记号记在两小节之间的小节线上，则表示前面两小节的旋律型再重复一次。
乐曲中较大的重复，用反复记号||： ：||表示。
第八节 演奏法的记号
1.连音奏法它是用连线来标记的，表示连线内的不同音高的音要奏(唱)得连贯，连音奏法的连线大都记在五线谱的上面，很少记在下面。
2. 有三种。分别以圆点(·)、三角(▲〈朝下〉及圆点加弧线(......)来标记，表示某些音或和弦要段续地弹奏。
3.持续音奏法有两种：一种是用短横线来表示，一种是用短横线加圆点来表示，前者表示该音稍强奏并充分保持该音的时值，后者表示该音稍强奏，同时各音稍分离。
4.滑音奏法 在民间音乐的演奏演唱中，滑音的奏法是很有特色的，它的记号一般用曲线或箭头来表明。
5.琶音奏法
将和弦中的各音由下而上很快地分散弹奏叫做琶音奏法，用垂直的曲线放在和弦之前来标记，有时也用小音符来标记。
㈤ 简谱乐理基础入门知识
简谱 是一个法国人在 五线谱 的基础上发展出来的记谱 方法 ，它最初的目的是为了便于教学，而不是为了演唱和演奏。以下是我给大家整理的简谱乐理基础入门知识，希望对大家有所帮助，欢迎阅读!
简谱乐理基础入门知识
1.音高
简谱用七个阿拉伯数字表示调式中的七个自然音级，即用1、2、3、4、5、6、7来代表do、re、mi、fa、so、la、si，这七个数字就是简谱中的音符。在音符的上方加一个圆点(叫做高音点)表示高一个八度，在音符下方加一个圆点(叫做低音点)则表示低一个八度。若在上方加两个圆点，即表示高两个八度，在下方亦是如此，依此类推。
不带点的音符称为“中音”，带高音点的音符称为“高音”，带低音点的音符称为“低音”。为了演奏(演唱)的方便，一般将乐曲音域的中音区记成不带点的音符(中音)，这样可以减少一些记谱符号，看得更清楚。
do、re、mi、fa、so、la、si只说明了音与音之间的相对关系，并没有规定每个音的绝对音高，所以在乐曲开头的地方(和转调的地方)要用调号标明某一个音的高度，以便据此推断 其它 所有音的音高。调号的形式是“1=C”、“6=A”、“2=D”等;用作调号的音是调式主音，“1=C”就意味着这首乐曲是C大调(或C宫调式，关于民族调式的概念，下面将会介绍)，“6=A”意为A小调(或A羽调式)，2=D意为D商调式。不过，近来更常见的标记方法是无论什么调式都用“1”来作为调号的基准音，即“1=C”、“1=D”、“1=E”等等。这样做的好处是一目了然，人们常说一首歌是“C调”、“D调”，就是指“1”的高度;其主要的缺点是不能反映乐曲的调式，容易在说法上和概念上造成混乱。例如，一首“1=C”的小调歌曲，其调性是a小调(因为主音的高度是A);
临时变化音记号(升、降号)的写法和用法与五线谱完全相伺，可参见前面的章节。
2.时值
简谱以四分音符作为基本音符，通常将四分音符称作“一拍”。在基本音符的后面或是下面的小横线起到改变时值的作用;在基本音符后面的小横线称作“增时线”，每一个增时线代表一个基本音符的时值单位(即一拍)，下例分别为一拍、二拍、三拍和四拍：
其中的a对应于五线谱的四分音符，b对应于二分音符，c对应于附点二分音符，d对应于全音符。
在基本音符下面的小横线称作“减时线”，每一条减时线将基本音符的时值减少一半;下例为半拍(即八分音符)和四分之一拍(即十六分音符)的写法：
同五线谱完全一样，简谱也可以用附点来改变基本音符的时值，唯一的不同之处在于简谱没有全音符和二分音符(这两种音符是用增时线来表示的)，所以附点只用在四分音符和小于四分音符的各种音符上;附点音符的写法和名称与五线谱是一样的，不必赘述。
3.体止符
简谱用“0”表示休止，0的时值相当于一个四分音符(即一拍)。改变基本音符时值的三种方法，即增时线、减时线和附点，同样可以用在休止符上。
4.五声调式
顾名思义，五声调式就是由五个音(而不是七个)构成的调式。五声调式广泛存在于中国古代和民间音乐中，并且在这个基础上形成了中国民族调式的种.种变化和完整的音乐理论体系，因此，尽管在许多国家和地区的传统音乐中都可见到五声调式，它还是常被称为“中国调式”或“民族调式”。
五声调式中的五个音是按照五度上行的关系得出的;假定从do开始，即为：
do→so→re→la→mi，为了方便起见，下面我们用简谱来叙述(所以将这部分内容放在“简谱知识”这一章中)。
将这五个音顺序排列起来，便得到一个五声音阶，音阶内部的音程结构是固定不变的，并且其中的每个音都有一个名称：
五个音中的每一个都可以是调式的主音，由此产生了五种调式：
宫调式：1 2 3 5 6(1)
商调式：2 3 5 6 1(2)
角调式：3 5 6 1 2(3)
徵调式：5 6 1 2 3(5)
羽调式：6 1 2 3 5(6)
在调式名称的前面再加上调高，就构成了完整的调性名称。例如宫调式，1=C对称为“C宫调”，1=D时称为“D宫调”，1=E时称为“E宫调”……;又如徵调式，5=C时称“C徵调”，5=D时称“D徵调”，5=E时称“E徵调”……;其它调式依此类推。
以五声调式为核心，还有六声调式和七声调式，即由六个音或七个音构成的调式。在这种情况下，原来的五个音称作“正声”(或正音)，新加入的音称作“偏声”(或偏音)。偏声分为四种：
变宫：宫音下方的大二度，假如1是宫，变宫为7;如果4是宫，变宫就是3。
清角：角音上方的小二度，假如3是角，清角为4;如果6是角的话，清角就是b7。
变徵：徵音下方的小二度，假如5是徵，变徵为#4。
闰：宫音下方的大二度，如果1是宫，闰就是b7。
五个正音和七个偏音的关系是：
1 2 3(4)(#4) 5 6 (b7)(7)
宫 商 角 清 变 徵 羽 闰 变
角 徵 宫
这四个偏音加入之后，产生了大量的调式，例如：加清
角和变宫的七声宫调式：1 2 3 4 5 6 7 1
加变宫的六声羽调式：6 7 1 2 3 5 6
加变宫的六声徵调式：5 6 7 1 2 3 5
加清角和闰的七声徵调式：5 6 b 7 1 2 3# 4 5
加变宫和变徵的七声徵调式：5 6 7 1 2 3# 4 5
不同的调式会产生不同的“味道”，如果平时多留心，从听觉上判断调式并不困难。如果我们要从理论上分析、确定一首音乐作品(这里指的是中国民歌或是用民族调式写成的作品，用大、小调体系或其它欧洲调式写的作品不在此列)的调式，应该做的事情是(1)找出调式主音：大多数情况下，乐曲是结束在主音上的，最简单的办法就是先看结束音是什么，再将旋律唱一遍，看看调式是不是围绕这个音进行的，如果不是例外的话，主音就可以确定了;(2)列出调式音阶：将乐曲中出现的所有的音从主音开始向上排列，直到高八度的主音为止，这样就列出了这个调式的音阶;(3)确定宫音：现在我们已经知道了调式的主音，但是仍然不知道调式的名称，这就需要先知道宫音的位置(从而知道其余各音的名称)。五声调式有一个特点，主音上方、宫音和角音之间有一个大三度音程，由于这个“宫—角大三度”是五声性调式中唯一的大三度，所以很容易判断，可以据此找出宫音的位置。也就是说，在列出调式的音阶之后，如果其中只有一个大三度，那么它肯定是宫—角大三度，下方的音就是宫音。如果在音阶中发现两个大三度，其中一定有一个是由偏音(相对不稳定的音)构成的，需要找出这个偏音，排除一个“虚假”的大三度，再确定宫音的位置;(4)明确了主音、音阶、宫音、调高四个因素之后，就可以说出乐曲的调性了。下面是山西民歌《交城山》，我们用它做例子来看一看分析的步骤：
(1)找出主音 在这个例子中，开始的音和结束的音都是“5”，主音是毫无疑问的;
(2)列出音阶 乐曲中所有的音按照出现的顺序为：5，#4，3，6，2，1，7，共七个音;由主音到主音排列起来，其音阶为：5，6，7，1，2，3，#4，5;(3)确定宫音在这个音阶中有三个大三度，5—7、1—3和2—#4，分析一下旋律，我们可以看出#4只出现了一次，能够肯定不是正音，7虽然出现了三次，但是都不在强拍位置，只是作为经过音使用，也不是正音，因此5—7和2—#4是“虚假”的，1—3是宫角大三度，1为宫音;各音的名称为：
5 6 7 1 2 3 #4 5
徵羽 变 宫 商 角 变 徵
宫徵
(4)根据调号“1=G”，可知主音5的音高为D，所以这首曲子是D徵调式，完整地讲，是加变宫和变徵的七声D徵调式。
5.小结
就记谱形式而言，简谱与五线谱只有两点不同，即音高和时值的表示方法。由于简谱是从五线谱脱胎而来的，所以在其它方面与五线谱没有什么原则的区别;比如说连线的用法、调式中各音的名称和性质、音程及音程转位等内容，在学习了前面各章之后，都是不言自明的事情。不过，懂得了这些理性的、理论的知识并不意味着能够视唱或者视奏;要达到那样的目的，需要经过一段时间的练习，在音准和节奏两方面都掌握感性的 经验 ，并且达到一定的熟练程度。
唱歌 的声音制作方法
吸入：通过口腔和鼻子垂直向下吸入肺部底部。注意不要抬起肩膀。吸气时，它会在下肋骨附近扩张。在腹侧，膈肌逐渐扩张，使腹部向前和向左和向右扩展，而下腹部收缩并且不扩张。背部应该直立，脊柱几乎不动，但它的两侧可以移动，它必须向下和向左和向右扩展。此时，空气向两侧推回并在那里存放，保持它，然后慢慢呼出它。
在歌唱训练中，“打开喉咙”是一个非常重要的中心环节，它直接影响到声音的质量。“打开喉咙”意味着喉咙稳定在正确的位置，口腔的盖子向上正向收缩成拱形，舌根松弛，下牙平坦，牙齿打开，下巴放松，后来自然被拉下来，此时喉咙打开了。
唱歌技巧 有哪些
歌唱技巧：身体自然直立，保持自然放松，身体完整性可以使身体发出的声音非常好。嘴是唱歌的小号。它应该是开放和松散的。保持牙齿开放。唱歌时，下颚缩回。正确的感觉应该是好像在下腹部和眉毛之间形成直线，并且颈部和背部和腰部连成一条直线，以使呼吸畅通无阻。
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㈥ 哪位朋友有乐理基础知识教学视频的链接，麻烦发一个上来。
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㈦ 乐理知识
入门时最好还是请老师教，不然自己看不懂的。我可以给你推荐书籍和有关乐理教学的视频。书籍买李重光的基础乐理书。有个视频学习乐理知识的本人觉得讲的很好，思路清晰容易理解可以学到很多，都是从最基本开始的，你去看看。
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大山老师乐理视频讲座第三讲 调性（上）西洋大小调式：http://v.youku.com/v_show/id_XNjA5NjUzMzI=.html
大山老师乐理视频讲座第四讲 调性（下）中国五声调式：http://v.youku.com/v_show/id_XNjA5NjU0NjQ=.html
㈧ 乐理小知识教程
欢迎阅读参考下面我带来的乐理知识，希望能帮大家提升对乐理知识的了解。
附点音符
有的音需要延长一定的时间，记谱时就在这个音符的右边点上一个小圆点，这个小圆点就叫附点。这个音符也就被称作附点音符。附点增加原来音符时值的一半。常用的附点音符有：附点四分音符、附点八分音符等等。
附点休止符
知道了什么是附点音符，你也就知道什么是附点休止符了，附点休止符同样也是增加原来休止符时值的一半：
延音线 延长号
要延长某个音的时间，除了用附点之外，还常用另外的两个方法。一个方法是用延音线把几个音高相同的`音连在一起，演奏的时候，这几个音加起来奏成一个音。如：5---∣5--- 。
另一个方法是在音符的上方加一个延长号。延长号的样子像一个眼睛 ，它表示可以根据需要自由延长这个音的时间。延长号也可以用在休止符上。
变化音级
音乐中除了七个基本音级以外，还有许多把基本音级升高或降低的音，它们叫做变化音级。在念变化音级的时候，要把‘升”或‘降’字读出来，比如升4、降5等等。
为了区别于变化音级，基本音级也叫做本位音。
变音记号
把基本音级升高，降低或回复本位的记号叫做变音记号。简谱中使用的变音记号一共有五种：
升记号# 表示把基本音级升高半音。它的形状有点类似斜写的汉字‘井’。
降记号b 表示把基本音级降低半音。它的形状有点类似英文小写字母b。
重升记号x 表示把基本音级升高一个全音。它的形状似一个叉。
重降记号bb 表示把基本音级降低一个全音。它由两个降记号合在一起而成。
还原记号 表示把已经升高或降低的音还原到基本音级，也就是还原到本位音。所以还原记号也可以叫做本位号。
念重升或重降的变化音级时，同样要把‘重升’或‘重降”两个字读出来。比如‘重升1’、‘重降6’等。
调号
打开琴谱，我们可以看到1=D 、或1=G的字样，这是简谱中的调号，1=D表示该曲是D调，即1音是D音。
临时记号
变音记号是直接写在音符前面的，这种变音记号叫做临时记号。临时记号只对与变音记号 同音高的音起作用，而且只限于一小节内，过了小节就失去作用。
节奏
音乐世界中的音，不仅高低起伏翻动，而且长短也千变万化，形成轻重缓急的效果，人们把音的长短关系及特定的强弱关系总称为节奏。
在生活中，许多事物也会有规则地进行运动。比如我们呼吸的起伏，时钟的摆动，列车行进时车轮的滚动……。所以节奏这个词，也广泛运用于音乐以外的领域。
节拍
我们在说话的时候，常把某些词说得比其他词重一些。在音乐中同样有这种情况，某些音会比其他音强一些，形成重音。而且，音乐中重音的出现是有一定规律的，往往是定期的反复。强音与弱音有规律地交替出现，便形成了节拍。
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即兴伴奏篇集锦（转） 2008-07-22 21:32 | (分类:默认分类)
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即兴伴奏
[讨论]钢网的朋友们，你们会即兴伴奏吗？
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[求助]想学钢琴即兴伴奏
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[求助] 我该从哪入手学习即兴伴奏?
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[求助]只会C大，不会其他调
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[讨论]聊聊即兴演奏，不仅仅是即兴伴奏
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【原创】如何给乐曲配和弦（浅谈即兴伴奏）(作者: 大F和小d )
http://www.popiano.net/dvbbs/dispbbs.asp?boardID=109&ID=12368
什么是变格、正格进行
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[讨论]会用属七吗？
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[讨论]大家聊聊和声进行中的"反功能"
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[求助]就大山老师“公式”一文想问（作者：richardson ）
http://www.popiano.net/dvbbs/dispbbs.asp?boardID=109&ID=12352
[求助]前苏联音乐他们作曲或者说伴奏基本公式是？
http://www.popiano.net/dvbbs/dispbbs.asp?boardID=109&ID=14298
我比较喜欢弹即兴.喜欢弹什么都可以(作者：飞琴大咬)
http://www.popiano.net/dvbbs/dispbbs.asp?boardID=109&ID=12234
[讨论]找到感觉，情绪和套路
http://www.popiano.net/dvbbs/dispbbs.asp?boardID=109&ID=13511
[分享]浅谈即兴演奏（作者：过网云烟）
和弦的数目与种类，多得要人命。也常常让人觉得很摸不着头脑。但是，我们整理整
理，我们会发现和弦只有六种的基本形式。其他的和弦都只是这六种和弦基本形式的
衍伸型。
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即兴演奏技巧(由pianofan转)
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各调和弦进行速查表
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[分享]和弦编配一步步！！！（作者：pjerry）强烈推荐
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[原创]即兴流行钢琴（作者：星之梦）强烈推荐
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何初老师专集
[原创]即兴伴奏讲义（第一稿）
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《关于钢琴即兴伴奏》的讲义
http://www.popiano.net/dvbbs/dispbbs.asp?boardID=109&ID=15085
延留音和弦用法：（何初老师语）
1、SUS4的用法：和弦的根音上方纯四度音，用于替换和弦的三音。
2、SUS2的用法：和弦的根音上方大二度音，用于替换和弦的三音。
3、6的用法：原位三和弦上的大六度音，一般是放在五音的上面来使用。
4、add9的用法：和九和弦不同，常用于根音的上方二度上，但是不替换和弦三音。
5、9的用法：保持原来的三和弦结构，用于和弦上方的九度音。
钢琴伴奏在合唱中的功能与作用
http://www.popiano.net/dvbbs/dispbbs.asp?boardID=109&ID=27931
[分享]和弦知识入门
http://www.popiano.net/dvbbs/dispbbs.asp?boardID=109&ID=38911
[原创]各音级和弦进行一览
http://www.popiano.net/dvbbs/dispbbs.asp?boardID=109&ID=18198
[推荐]热衷于写谱的朋友必读－《和弦大全》（强烈推荐）
http://www.popiano.net/dvbbs/dispbbs.asp?boardID=109&ID=16780
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㈩ 乐理基本知识
音乐理论简称"乐理"，包括相对简单的基础理论----读谱、音程、和弦、节奏、节拍等。那么你对乐理了解多少呢?以下是由我整理关于乐理知识的内容，希望大家喜欢!
乐理的概念
产生
音是一种物理现象。物体振动时产生音波，通过空气传到人们的耳膜，经过大脑的反射被感知为声音。人所能听到的声音在每秒振动数为20-20000次左右，在自然界中，我们人的听觉能感受到的音很多，但并不是所有的音都可以作为音乐的材料。使用到音乐中的音(不含泛音)，一般只限于每秒振动27-4100次的范围内。也就是说在音乐中所说的音是人们在长期的生活实践中挑选出来，能够表现人们生活或思想感情的，并组成一个固定的体系，用来表达音乐思想和塑造音乐形象。
性质
主要包括音的高低、音的强弱、音的长短和音色。
音有高低、强弱、长短、音色四种主要性质，在音乐表现中非常重要，其中以音的高低和长短最为重要。不知道您是否有这样的体会：对于一首歌，不管您人声演唱还是乐器演奏，唱的声音是小是大，也不管您演唱或演奏时用什么调，音的强弱及音色有了变化，但这支歌的旋律依旧。可是，如果这首歌的音高或音的长短有改变的话，则音乐的感受就会受到严重的影响。可见，对一段旋律来说，音高和音长短的重要性。
音的高低决定于物体在一定时间的振动次数(频率)。振动次数越多，音越高;振动次数越少，音越低。音的强弱决定于振幅(声音波形的振动幅度)的大小。振幅越大，音越强;反之，振幅越小，音越弱。音的长短决定于音的延续时间的不同。音的延续时间越长，音越长;音的延续时间越短，音越短。而音色由发音体的性质、形状及泛音的多少等多种因素决定。
音色是指音的感觉特性，是音乐中极为吸引人、能直接触动感官的重要表现手段。发音体的振动是由多种谐音组成的，其中有基音和泛音，泛音的多少及泛音之间的相对强度决定了特定的音色。人们区分音色的能力是天生的，音色分为人声音色和器乐音色。人声的音色有高、中、低音，并且有男女之分;器乐音色中主要分弦乐器和管乐器，各种打击乐器的音色也是各不相同的。
分类
即乐音、噪音之间的区别。根据音振动状态的规则与不规则，音被分为乐音与噪音两类。音乐中使用的主要是乐音，但噪音在是音乐表现中必不可少。如架子鼓发出的声响就是一种噪音，不过，这种噪音有一定的规律。
音阶体系
定义：音阶(Scale)指调式中的各音。从以某个音高为起点即从主音开始，按照音高次序将音符由低至高来排列，这样的音列称为音阶。世界各地有许多不同的音阶，随着音乐水平的进步，音乐非常完整的理论与系统，世界上几乎都是用十二平均律来作为学习音乐的基础。因此我们今天所说的音阶，就是以最普遍的大音阶(大调)与小音阶(小调)为主。
分类：根据调式所包含的音的数量可分为：“五声音阶”、“六声音阶”、“七声音阶”等。音阶由低到高叫做上行，由高到低叫做下行。五声音阶(Pentatonic scale)是由宫、商、角(jué)、徵(zhǐ)、羽五个音构成的音阶，多用于民族音乐的调式如(宫调式)：do、re、mi、sol、la、do。
乐音体系
定义：在音乐中使用的、有固定音高的音的总和，叫做乐音体系。
音列：乐音体系中的音，按照上行或下行次序排列起来，叫做音列。