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動漫人物拉鏈叫什麼 2022-10-02 05:15:53

歌詞結構怎麼影響歌曲結構

發布時間: 2022-09-23 11:07:00

『壹』 關於作詞法,各位有哪些是學音樂的,能說說如何給一首歌曲作詞,讓歌曲結構整齊,上口

網上搜的 自己看看吧
如何作詞?

第一論:歌詞要重歌唱性

詞作家的詞作集,曲作家的曲作集見的不少,而詞作家的歌曲作品專集見的不多,這需要詞作家被譜成曲的詞作有足夠的量才行。為詞譜曲有兩次選擇,先是詞作家自己的取捨,後是作曲家對詞的取捨,作曲家有自己的選詞標准。歌詞的音樂性是應該引起詞作家的足夠注意的。

歌詞是可唱的詩,音樂就是雙翼,歌詞必須依賴於它才能飛翔。什麼樣的歌詞才能引起作曲家的共鳴?才能誘發出作曲家的靈感呢?這首先依賴於歌詞的可歌唱性。歌詞這一特徵,是決定作曲家對歌詞的取捨,並能否順利進行譜曲的依據。「可歌唱性」雖然不是評判歌詞價值的惟一標准,但卻是一首詞能否變成歌聲,獲得其「歌詞」的生命的依據。

作曲家對歌詞可歌唱性的要求,大體是:無論是抒情的還是激情的,無論是藝術性的還是群眾性的,大都應讓作曲家從詞中感到或構思上的新穎,或語言上的精巧,或讓人熱血沸騰,或讓人浮想聯翩等等。

歌詞的語言不應太生僻、深奧,但也不能太缺少文學品味。用中國詞聖喬(羽)老爺的話說就是「好的歌詞是一首好詩,而一首好詩不一定是一首好歌詞」。

歌曲的結構長度由內容和體裁要求而定。歌詞篇幅一般不宜太長,每段的句數不宜太多,一個句子的字數也不宜太多。詞不必寫太滿,多留一點餘地音樂,這是多數曲作家的共同要求。膾炙人口的《難忘今宵》(喬羽詞王酩曲)就足以說明以上問題。喬老爺的詞作大多是一段體,這樣簡短的歌詞,一是給音樂留下更多空間,二是不把詞中的內容全部寫出來,留給聽者、唱者一個空間,讓他們去追溯,去浮想聯翩,去玩味。詞界和曲界的朋友都知道,喬羽先生是從不寫一個廢詞的大家,而且他寫詞的一個信條是寧可少寫一段,也絕不搞文字堆棄,更不寫無病呻吟之類的東西,他的詞往往有很高的研究價值和藝術價值。

歌詞的節奏韻律對曲調至關重要,節奏是旋律的依託。一首朗朗上口、頓挫有序的詞,譜起曲來自然生動,可以譜成多種樣式的旋律。反之,生硬、拼湊,尤其是那些句子又長,又無節奏韻言的歌詞,常常使曲作家絞盡腦汁。另外,詞作家一定要把詞的開頭寫好,從一開始就吸引住作曲家繼續譜下去的慾望,這是非常重要的。

當然,作曲家對詞的要求,根據個人的喜好還有許多,以上提到的也許只是共同的、起碼的要求而已。

寫《山路十八彎》的詞作家佟文西關於歌詞的可唱性的一段論述是這樣的「歌詞並不完全等同於詩,它與詩的不同點在於:歌詞是要給人看,供人譜曲,給人唱,供人聽的,故其必須具備可唱性,並受音樂的制約。」文西的詞就一直是沿著他給自己劃定的目標努力寫作的。所以他的詞有相當好的可歌唱性,被譜率很高。歌詞應具有的可歌唱性,還有一方面是它要受歌曲曲賦的某種制約,這與詩詞是不同的。要想使一首歌詞被譜成曲,就應使詞作者的詞符合一定的歌曲曲式要求,如一段體、兩段體、三段體、多段體分節歌曲式等。如果一首歌詞不講究或不遵循歌曲的曲式要求的話,曲作者譜起曲來是很難的,即便譜好了,也難被歌手和觀眾所接受。

我們的歌曲創作大多是按詞譜曲,即先有一度創作的歌詞,後譜成二度創作的歌曲。一方面詞中的寫作對於歌曲的形式有著前提性意義;另一方面曲的寫作又對歌曲的成功與否有著決定性意義,詞曲作家需要溝通,需要交流,共同打造成功的歌曲。

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(這個不錯!)
作詞密笈

作詞密笈作詞密笈
Q1.先有詞還是曲
一首歌詞與旋律搭配,不一定有先後之分的,對於我自己的經驗來講,合作的作曲人通常是先有曲給我,然後再填詞,也有少數作曲人會先要求我提供歌詞給他們,原因是他們覺得這樣會有比較多主題的刺激,甚至在詞里寫到某種場景或某種情緒,他們也可以在你的框框你的格式里去做發揮,但這樣的機會算是比較少的,對那些熱愛寫詞的人,如果你身邊沒有作曲的朋友,你的歌被發表,或被完成的機會也少的多,這就是目前唱片工業中一個無奈的現況。

Q2.怎樣是好的歌詞
怎麼樣算一首好詞,我想這是很大的問題,應該說這首歌最後可以產生動人的力量,那詞應該是沒有扣分的,一首歌有詞、有旋律、有演唱人、加上編曲,一首歌可以受歡迎,勢必有整體的分數在裡面,就像一部電影一樣,你可能會覺得這部戲的劇本很好,或是演員的演技特別好,還是美術的設計很不錯,諸如此類每一個單項的分工一定會有它的強弱,我很少看到一部佳片是每一個部份都很好的,如果一首歌真的夠流行,夠轟動,應讓是每個部份都發揮它的一個力量,詞的本身如果能夠很特別很醒目,讓人知道你在說什麼,這當然是一個作詞者的成功,我覺得這是一個綜合性的藝術,更重要的是,整個事件完整的搭配起來,是不是很好的。

Q3.怎樣是不好的歌詞
對照上一題,好的歌詞的反面就是不好的歌詞,我覺得中間還有一種不痛不癢的歌詞,它不是不好,只是它沒有特色,用字普通,當然在暢銷的歌曲中,也是有這樣的歌詞,這時就是靠旋律的力量及歌手的魅力來捧紅這首歌。我只能說不好的歌詞是用詞太普通,或者是你用字很不錯,但是別人都聽不懂歌手在唱什麼,它只適合閱讀而不適合聆聽,有時他會把歌詞和其它文學作品做比較,覺得歌詞太口語或是太淺白了,但我仍覺得歌詞是綜合性的藝術,如果只求字面上的表現,有時反而會傷害整首歌的完整性。

Q4.詩和歌詞的差別
在古代很多詩都是可以用來唱的,研究過的學者都知道,從樂府詩到唐詩宋詞,我們現在看到的,可能只看到文字的表現,但是以前都是配上音律的,我覺得詩和歌詞本來是沒太大的分別,只是在現在的時代,詩都是用來看的,如果沒機會變成一首歌,那何必寫呢?你說你寫了個歌詞純粹是你不想加上音樂的,這是很奇特的一種展現,我抽屜里大概有很多這類的歌詞。詩有非常多的流派,詩是純文學里一個很重要的項目,只能說歌詞比詩的工整性來的強烈,韻角也比詩來的講究,除此之外,能不能把現代詩的精神美放到現代歌曲中,是可以的,而且很多作詞人已經嘗試過,所以這個部份並不是問題,應該說很多文學作品它的精神是可以互相借用的。

Q5.是否一定要押韻
歌詞是否要押韻,基本上它要有個合韻的外貌,通常我們看字典上,ㄠ就要全部ㄠ韻,但ㄠ跟ㄤ唱出來的差異並不是很大,譬如說招搖不一定和妖嬌是同一個韻角,我覺得同樣在寫流行歌詞,在這部份的押韻需要講究但可能不需那麼死板。至於怎麼押韻呢?一個流行歌可能有好幾段,你可能是A1和A2押同一個韻,也許是B的部份你另外起一個韻,這都是有相當大的彈性,尤其是你在填詞的時候,你聽到旋律的走法後,你就知道這里是要用同一個韻還是要換韻,這部份的學問很大,我只能說要合韻,但不要死板的每行押同一個韻。

Q6.歌詞的格式
如果你只是填詞的話,那音樂的走法已經限制了你,例如這個音樂是很流暢的,或是只有一段大A的歌,有很多歌是這樣子的,所以你不用在去煩惱格式,如果你在家裡憑空寫一個詞,沒有人和你搭配旋律,多少要注意一下,否則就會寫成一個散文和一個詩了,因為詩基本上的格式並沒那麼重要。如果你參照現在流行歌曲的歌本,你會發現段落的區分有種標准,是四句就成為一個A、A1後面一個A2,又四句為一個B1和B2,這是最標准化的一個寫法,A是三行一段,或者有的人是A三行,然後B又變成四行,如果會作曲的人就知道,寫到副歌時會加一些旋律,那是很自然就會表達出的一種情感,這跟畫畫一樣,並不是在格子里著色,我想有心的人多去參考現在發表的歌詞,你就會找出格式還是很多種,但是完全沒有格式的詞,它到底是個詞嗎?一個音樂人拿到這些文字,他很方便去譜曲嗎?這是作詞人需要去考量的。

Q7.主題的選擇
我覺得在流行歌曲里還是逃不過愛情,愛情就佔了80%,剩下的可能就是友情、勵志、舞曲及生活的一些感情,當然有些是為了活動,像是公益性質的歌,要說主題,其實整個藝術天地是非常廣闊的,但如果你想說一首歌要怎麼樣才容易賣掉,那就另當別論了,要看你寫的主題唱片公司是不是有興趣,是不是有歌手適合去表達,我覺得主題基本上是海闊天空,但是絕大多數還是比較喜歡寫愛情和生活的感想,或者歌曲本身就有這樣的功能吧!

Q8.靈感來源
自己創作歌詞的靈感其實是來自生活和看書,我常說一個人如果很會寫可能是談過刻骨銘心的戀愛,就可以寫出幾百首歌詞和小說,重點不在於經驗的量,而是在於經驗的品質以及你自己的天份,說穿了天份是很重要的,我不能用一種方法去告訴大家靈感要怎麼培養,有些書是可以去刺激想像力和觀察力,但是它是不是就能成為對文字及圖像的創意我是蠻懷疑的,任何的藝術工作者一定有七成以上是天份,剩下三成就是靠努力,每個人追求靈感的方式不一樣,我覺得大家都要試著去尋找和自己最對味,頻率最接近的一種培養靈感的方法。

Q9.投稿方式
投稿,其實我能體會這種事情,因為在當兵時我曾寫過十幾首歌曲到唱片公司,幾度都被退稿,很多人看到流行樂壇如此蓬勃,就覺得我也可以去寫東西,我也希望有東西被歌手發表,但唱片公司就那麼幾家,能當歌手的很少,現在有很多的人是詞曲一起完成的,一個單獨寫詞的人要如何去發表呢?第一個路線是投稿到唱片公司他們的製作部門,通常就有些製作人會看到你的作品,相信我十分之九九都是石沈大海,第一來稿的品質可能不夠好,第二唱片工業是一個高度競爭的行業,他們很信任大牌、名牌、老牌,憑歌詞就能讓唱片製作部門眼睛一亮用到你東西機率是很低的,另外像是透過「我要音樂台」網站,或者是舉辦的一些活動,也是提供新人一個發表的機會,我特別強調是機會而不是一個決定性的,大家也知道想要寫作的那麼多,但能成功的只是少數,如果你不算寫得很好那要怎麼去跟現在檯面上的專業作詞家競爭呢?除了靠你能別出心裁,你的干勁,我想這才比較適合一個新人去殺出重圍,投稿之路本來就比較漫長,失敗率也很高,當初我也被退稿過,到現在也常被製作人嫌,被歌手嫌,最後我的抽屜也多了些被退稿的東西。

Q10.詞與曲的搭配
在填詞的時候怎麼去和旋律搭配,這是沒有竅門的,我的經驗是反復的聽,旋律會帶給我怎麼樣的感受,確定字數,再去找重音,這是比較嚴謹的作詞人會去考慮的,另外就是旋律會有高低音的range,怎麼去拿捏旋律本身的音適不適合把你的詞唱出來,我自己在填詞時,經常會反復的去唱這一段,我覺得我唱進去的畫面情感和音樂給我的感受一不一樣,當然同樣的旋律也可以配上不同的劇情,當你選定劇情後就要讓劇情變得淋漓盡致,有些人只會天馬行空的寫詞而不去管音樂,而我在這個行業里還算是有點小成績,那是我在填詞時會考慮音樂本身走動的輕重緩急,這時是恐懼的還是舒張的,是溫柔還是憂郁,這是要反復聽旋律才能感受出來的,我只能提醒各位,旋律的配合一定要多唱,如果你是歌星,你唱到這個詞是否會很投入,你相不相信這個詞加曲後呈現的故事。

『貳』 歌詞的結構怎樣容易唱

歌曲與詩的最大不同,就在於結構形式的規范不同,這種規范只能稱作大體規范。不規范與規范是相對的,初學寫作必須了解清楚歌曲的基本規范。

強調的是歌曲有其獨特的風格韻味,也有它優美動人的語言,如果初學者忽視歌詞創作必須符合歌曲曲式結構的規律,就是最大的錯誤。常表現在他們結構布局上。

大結構D D 段落小結構D D成次

結構原則:

1;歌詞結構必須服從所表現的主題思想感情,人物活動,情節發展,環境描寫,感情延伸的需要。

2;歌詞的結構安排,必須符合事物,故事,情節內在聯系,要合情合理,合邏輯。

3;結構安排要層次清楚,連貫,簡潔。

4;歌詞結構應充分考慮歌曲載體,演出形式等因素,因形式不同而結構不同。

一般流行歌曲的結構是以主題(A),副歌(B),過度句(插句)(C),流行句(記憶點)(D),橋段(序唱,過門,間奏)(E)等組成,一般來說,單二部曲式最為多見。

主歌:

主歌是流行歌曲中的主體,就是主要段落,也是流行歌曲民謠的基本段落。在許多歌中,就是四句左右的分節歌,不斷重復A1A2A3A4~~~~中間有些小變化。

主歌往往在A1,A2中描述有關人,事,時間,地點,特定情緒的重要過程,換句話說就是將有血有肉的細致描寫,具像描繪,情節敘述都放在主歌內完成。

副歌:

因為副歌有重復,對比兩大功能,副歌就成為流行歌曲必不可少而普遍採用的曲式結構。這就是A-B的基本曲式形式結構,大部分歌曲的流行句式,記憶點都設置在副歌部分。

寫好副歌,甚至先寫出副歌部分,是許多流行歌曲作家常常採用的寫作步驟,並獲得成功。

副歌的動能:

1,對比性:在節奏上,情感上一定要與主歌形成對比,為曲調提供較大的對比變化

2,重復性:在流行句式上獲得重復或變化重復,是流行歌曲傳播最重要因素,不可不在意,但也不能對情緒不加以克制

3,發展與概括性:歌曲的**往往設計在副歌內出現,而**的內容往往要求概括性。

流行句記憶點

歌詞中流行句或記憶點的設置方法:

1;以歌名為核心的流行句,是設置流行句或記憶點的第一種方法。

2;在主歌中設置流行句或記憶點

4,在副歌中設置流行句或記憶點

過度句,插句,引導句

可以稱為副歌前的導句,也可稱為A,B間的插句,過度句,一般二句到四句組成,最好不要超過主歌或副歌,否則回喧賓奪主。

間奏,橋段

間奏通常出現在歌曲中間2/3處的段落,目的是為了~改變~和扭轉歌曲的調性關系,讓情緒和氣憤產生對比和變化,使聽覺新的沖擊,就像 之間的,是一個大呼吸點。

1,演唱式橋段,需要歌詞中給一個新信號,新信息,有時用襯托詞搭橋

2,演奏式橋段,這是典型的間奏寫法或用獨奏SOLO,或用節奏型,或用齊奏等等,總之,演奏式橋段,即間奏,應盡量避開主歌,副歌的主旋律,以發展新的樂思為好,

句式
一個完整的句子,是整個曲式的最基本單位,也是主要的語言節奏單元,一句詞往往由若干音節組成,由此形成的抑揚頓挫,同時也形成音樂節奏形。

『叄』 寫歌詞的技巧

寫歌詞的技巧:

在歌詞題材確立之後,首先一定要找好動情源,要認清什麼樣的動情情節能打動人,能讓作曲家激動,能讓聽眾激動,並且能發展下去。

舉一個例子《我們是朋友》這首歌詞開頭的四句「千里難尋是朋友,朋友多了路好走,以誠相見心誠則靈,讓我們從此是朋友」抓的很好!是一個歌詞的動情源,一句「千里難尋是朋友」,就把情煽起來了,就令人激動了。人們期待往下聽,這個源頭,就會帶出許多的內容來。

接下來就要找准動情點,於是,又出現了「結識新朋友,不忘老朋友,多少新朋友,變成老朋友。這兩句是歌詞的主題、是詞眼、也是動情點,能表達歌詞主題深度,因此叫感情內核!這個情感內核,也是作者在最激動時刻獲得和抒發的最強烈的感受。動情源叫人激動,動情點就應該讓人感動了,這時已經到了該急轉直下的時候了,於是,歌詞開始收尾,也就是結好動情尾。

(3)歌詞結構怎麼影響歌曲結構擴展閱讀

歌詞是詩歌的一種,入樂的叫歌,不入樂的叫詩(或詞)。入樂的歌在感情抒發、形象塑造上和詩沒有任何區別,但在結構上、節奏上要受音樂的制約,在韻律上要照顧演唱的方便,在遣詞煉字上要考慮聽覺藝術的特點,因為它要入樂歌唱。歌詞與詩的分別,主要是詩不一定要入樂(合樂),歌詞是要合樂的。合樂成為歌曲。歌詞一般是配合曲子旋律一同出現的,歌詞是歌曲的本意所在。現代一般是配合音樂,便於哼唱的語句。

『肆』 歌曲作曲的一般技巧有哪些

創作歌曲,都會有一些 方法 技巧,通過學習,才能作出更好的曲子。下面是我為大家講解一下歌曲作曲的方法技巧,僅供參考。

歌曲作曲的一般技巧
一、主題

一首歌的音樂,要有一個能夠集中地概括整個作品的思想、感情、性格的音樂主題。樂曲的長短要根據內容而定,象一條主線貫穿全曲。歌曲的音樂主題往往是根據第一句歌詞的特點所創作出來的,有些歌曲的主題,往往根據半句歌詞加上襯字拉開來創作的,也有一些歌曲的主題,加了許多虛詞和襯字把主題加長了。

一首歌樂曲主題的配製,首先是從研究歌詞開始的,要進行反復吟頌,藉此來了解歌詞的意境,進行研究分析,並對歌詞作修改和修整。要形成准確、鮮明、生動的音樂主題形象,才能正確深刻地表現詞意的思想內容;其次,對於體材也要選擇合適的,根據內容需要量體裁衣,以增加作品的表現力和藝術感染力。

二、發展

1、段落

音樂的發展安排在合理的作品結構之中,歌詞的結構是音樂段落結構的重要依據。段落分一段體,兩段體,三段體等。比較常見的是兩段體和三段。

段落可以分為對比和類似形式。對比,如:前面比較舒緩,後面比較高昂;前面比較緊湊,後面比較庸散。從文學上分析,如果你想用對比來創作的話,前面是敘事的話,後面一定要改成抒情。從音樂上說,前面如果旋律比較平,後面就大膽的多點起伏,前面節奏多用4分音符的話,後面就用8分或16分音符。從而起到對比的作用。在編曲上可以更明顯地看到,一般副歌部分總是比較高潮,而前面總比較緩慢。但這也不是絕對的。

一段體的大多都是小歌,如蘭花草,雪絨花等等。 學吉他 的人一定知道,是吉他入門的必彈曲。如果寫得好,那也是非常精緻的東西。但一段體對旋律要求非常高,旋律一定要好聽,否則不行。現在三段體的也很多,如陳亦訊的十年(也有人把第二段看作起承轉合中的轉),那英的征服(在歌後面有一段把情緒推向高潮的人聲部分)等等。

數學裡面有黃金分割點,人們在美術、音樂等藝術領域都很注意這個點。按照美學觀念它是最完美的點。一首3分鍾的歌,在黃金分割點上,大概2分多鍾的時候,總是一個歌最最好聽的地方,他或是高潮部分,也許是一首歌最最精華的部分,在編曲上尤其是這樣。黃金分割點,是最容易打動聽眾的點,也是最容易渲染感情的點。

2、重復

重復永遠是音樂中的不二法門,從段重復到小節重復,幾乎每個作品中都可以看到他的影子。(重復也是同度模進)。重復的技巧也很多,移位重復還包括嚴格移位和混合連續移位。

3、倒影

它就像我們在水邊,看到自己的影子。如:33345 33321。

在 五線譜 中,以3橫線,就會發現,345往下翻180度的話,其旋律線條就會和321吻合。這樣寫出來的旋律,不會很散。

4、模進

模進分嚴格模進和自由模進。嚴格模進,要求各旋律音程之間完全一樣,旋律線條也要完全一致。如:3323 2212 。自由模進,則沒有這個限制。如:1123 3345(1和2之間是全音,3和4之間是半音,音程不同)

5、對格

各藝術門類都是相通的。在文學創作中的某些技巧,放到音樂里也完全適用。在一些人寫的詩聯,第一句的最後一個字,是第二聯的第一個字。放到音樂中的話,就是第一句最後一個音符,是第二句的第一個音符。然後依次類推。如:123 312 234 465,前面的最後一個音符,是後面的第一個音符。李宗盛有時通篇都使用對格的技巧。

6、變音

一般而言是指升降音符。用一些變音,會給人帶來新鮮的感覺,也容易使情感更加飽滿。

歌曲變音用得如何,很大程度上看作者對旋律的把握程度。一般來說,表現明亮色彩的歌曲用大調,相反,表達憂傷或溫柔的歌曲用小調。我們也可以把大調的3音降半度,來表達憂傷或溫柔。在小調中,多使用#4和#5,是不會有錯的,因為小調的上行音階中本身就包括#4和#5。如果想寫一段帶有JAZZ風味的旋律,除了節奏上多用切分音符外,用b3和b7是不二法門,其實,這也是JAZZ的特有音階。

例如,羅大佑在愛的諍言里,A段第三句,用了#1 2 3的級進,給人一種憂傷的感覺,而且非常新鮮。李泉的愛的顏色中,用了:5 6 7 #1的旋律級進,四個全音連續上行,把感情發揮到了極至,也給人一種耳目一新的感覺。橄欖樹是一首非常經典的老歌,作者用了#4作為承上啟下,收到非常好效果。如果改用4的話,旋律色彩就會大打折扣。

7、濃淡疏密

1:疏密有致。 國畫 講究疏可跑馬,密不透風,有疏有密。在音樂中,前面幾小節如果節奏部分非常密集,後面一定要多寫些長音。如果前面旋律起伏非常大,那麼後面一定要把旋律安排得平穩些,以起到一個平衡的作用。

2:深淺分明。國畫講究墨色深淺枯濕,分深、淺、灰等五色。在音樂作品中,如果前面兩小節都使用了上行的旋律,如:1123 3345,那後面你最好使用下行或者平行的旋律,如5442等,這樣讓人感覺旋律有起伏有變化了,聽覺上比較舒服,也符合自然規律。

如,開頭第一到第二句,旋律從低音5直線上升,且不帶拐彎地到達高音1,音程跨度純四度+純八度。第三句開始慢慢下降,從高音1下降到底音6,音程跨度8度加小三度。給人感覺旋律起伏很大,感情全部發揮出來了,然後第四句旋律開始走穩。

8、調式

在古典音樂里,用什麼調?抒發什麼情感?需要的音樂效果是明亮的?還是灰暗的?或是雄壯的等等,都有嚴格的要求。

但在當今的許多歌曲,特別是流行音樂里,幾乎沒有這種限制了。現在作曲家對歌曲的定調,一般是根據歌手的音域來確定的。男歌手一般最高音定在G上。(鋼琴上叫小字二組G,吉他上是第一弦的第三品)。如果太高,降一度也夠了。女歌手音域要比男的高八度,所以,一般最高音定在B上(鋼琴是小字一組B。吉他是第二弦空弦)。太高的話也降一度。當然,這也不是絕對的,只是一個大致的范圍,聽說帕瓦羅蒂可以唱到高音#C。大家可以在琴上感覺一下,鋼琴是小字三組的#C,吉他是第一弦第九品。

9、變調

我在江西、北京兩次聽到張千一講自己的歌曲創作體會,每次對轉調的問題都談得特別多。調性的對比,確是非常重要而有趣的,一首歌前面如果是小調,後面可改用大調來發展。前面如果是C調,甚至你可以在後面安排bE大調(就是C小調),都是可以的。這樣能讓聽眾有耳朵一亮的感覺。但不要忘記,調是為歌服務的,轉調是為了更好的抒發情感。所以不管你轉成什麼調,一定不能單純為了轉而轉,音樂也要有再現。

齊秦的《大約在冬季》,他在第一段開頭用大調 1,結尾是小調 6,副歌部分也是小調,很好地抒發了離別的情緒。 張國榮的“共同度過”,本來旋律並非很出彩,副歌部分也是一般,但作者連續用了四個轉調,把感情全部唱出來了。 轉調技術在間奏里用得也比較多,還有離調,但這是編曲的范圍。如果間奏忽然轉調了,那麼在結尾的時候,一定要再轉回原調。

調式的學問很多,在印度的音樂里,把3和4這一對半音兄弟,再切一半,變成12音音階,更難唱。光音階上的變化就有幾十種,還分上行和下行,還不包括臨時變音等,很難懂。

在大多的編曲書中,都說結尾一定要5級和聲轉到一級和聲。是C調的話,結尾一定要從G到C才可以,不然不及格。但有不少歌曲裡面結尾並不到C,而是G到#G(就是#5 1 #2),在聽覺上非常新鮮。還有G到G增和弦。就是(5 1 2)也非常新鮮。有一種意猶未盡的感覺。

10、起承轉合。

中國的詩詞歌賦是要講究起承轉合的, 四句式的歌曲或歌曲主題部分也有起承轉合音樂結構的。

開頭的第一句就是起,一般都是有音樂動機組成的,是寫歌的一個動機所在。

第二句就要相承了。

第三句就是轉,是主歌部分最精華所在,很多優秀的音樂人都在這里大做 文章 。如果前面兩句用上行旋律比較多的,第三句一定不要用,改成下行。前面如果旋律比較平和,到這里,一定要寫的凹凸些,就象美女的線條。用一些變音什麼的,節奏改一些,也是非常常見的手法。

第四句叫合。是前三句的 總結 ,有人把第一句照搬,那是最簡單的辦法。也有人把前面三句用到的動機,整合在一起作為第四句,也未嘗不可。實際上,創作手法是多樣化的,主要看情緒發展,你想表達什麼。

11、詞曲配合。

漢字有本身的發音,1、2、3、4聲,念的時候,大家都嚴格按照發聲的,上入聲,本來也包含了音樂成分在裡面。如果沒有按照發聲規律念,很容易就變成另外的意思了。而在音樂創作中,這是最最忌諱的。

如果歌詞的感覺是搖滾的,曲子卻寫成民謠的,聽上去感覺一定不行。曲子是古典風味的,而詞的感覺卻是很現代的,感覺就會很別扭。齊豫以前有盤專集,曲子都是從古典音樂里出的,新填上詞來唱,感覺不好。因為那是人家為器樂而寫的曲子,改成人聲了,當然不好。

12、最高境界。

魯迅先生說過,文學的最高境界就是,添一字嫌太肥,減一字嫌太瘦,就是說,好的文章,你一個字都不能增減。好的曲子也是一樣。加任何一個音符進去,你都覺得不好,刪除任何一個音符,你都覺得不對,到了那個時候,就是曲子最完美的時候。如果對巴赫的復調加音符進去,就會發現,加在任何一小節,其他地方都要作很大的改動,而改好之後,又會發現完蛋了,不能聽了。 但歌曲有所不同,因為要加歌詞。詞,是為曲服務的,是依附在曲子上的。所以寧可讓詞犧牲點,也盡量不要去改動曲子了。
作曲的小技巧
1.旋律猶如詞句。當你在寫作的時候,讓 句子 變得更長的方法,往往不是在後邊不斷的加上新的想法,而是為這個句子寫上一個從句構成主從結構。所以,如果我有一段4個小節的旋律,我通常會把最後一個小節刪去再續上一段變奏。這段旋律變得變得不完整,但因此可以被延長成為一段有多個樂句的長旋律。在大多數情況下,我會為這段旋律續上多段變奏,它們可以出現在歌曲的各個部位。

2.歌曲有其應有的長度,不應將之過度延長。一般,我會以一段八個小節的旋律開始,然後在其上增加或刪減節拍。我發現,對比原來的旋律與新的版本,原來的總是顯得缺乏生命與呼吸,甚至顯得有些機械化。重復往往有其修辭意義,我不會總是重復一段規律的旋律,但我會試著把這段8小節的旋律改變為7個或9個小節,這讓它聽起來起伏而帶有呼吸感。這就像人在自然說話的時候,從不會一直保持一個平穩的4/4拍節奏,而會間歇性時快時慢時輕時重。自然,每個人的品位不同,選擇也有不同,而且這個方法在groove driven風格的音樂里邊也許不夠適用,但是你也不妨試試。

3.將一切都唱出來,不管是旋律、低音線還暫時只停留在腦海的聲音。如果你無法將其哼唱出來,那它很有可能並不太好。當然,這也不總是如此。只有對自己的旋律創作有足夠信心的人才會逐漸剝離那些可以哼唱而出的音符,但在此之前,你還是試著把它們都唱出來吧。

4.所有的旋律表達都應清楚明晰。音調上升需呈上升之勢,三和弦組合也應明顯易辨,裝飾音則應清楚地表達出某些段落的特殊性。一般而言,表現出明顯趨勢的旋律段落需要有明確的概念表達,你得更好的思考這段旋律,刪去那些無益於趨勢律動表達的音符。一段表現明顯下降趨勢的曲調,就不應在其中夾雜太多的上升的旋律。這一點,會對你在創作合唱、多聲部或交響樂都有一定幫助。要知道,一段整體不佳的旋律常常是因為參雜了過多律動相異的音符而導致。

5.將樂曲分成樂句。好的音樂家的確能將“兩只老虎”也表演得令人陶醉難忘。但作曲家們,你們沒有那麼大的運氣總是遇上這些超凡的表演者。他們都忙得沒有排練時間了,零碎的那點時間用來練習勃拉姆斯也比練習你的曲子有意義。所以,請把你的樂曲明確的標注出停頓起伏,並將之化為一段段的樂句,這樣你的曲子在任何情況下都不會黯然失其本色。標注出漸強、暫停、升高、較輕、較重、連續等等,這些都是一個聰明的作曲家應該寫清楚甚至應該強調的。如果你覺得這段旋律之後需要的是暫時休息,就請把切分換成休止。與其直接寫“強後突弱”,不如標明一人起音後再有漸強跟上,這樣表達更為明確,也不需要花更多功夫。

6.好的旋律意味著音調和諧。即使是一段無伴奏的旋律也應遵循這一點。一段旋律應該搭配的和弦作曲家們應是再清楚不過的了,但若未落筆寫明,誰也不知道真正配合的基音為何,所以請務必將其標明。作曲的時候,我發現,相比哼出一段旋律,唱出具體的音名對於協調音調更有幫助。這是因為,哆來咪實際上各自有著不同的旋律內涵,而任何一個音樂家都應注意到這點。

7.好的旋律也一定是友好的。你可以在這之上疊加另一段強烈的旋律,感覺還不錯的話,你甚至還可以在這之上再次疊加。

8.我發現,保持旋律的某種律動感不變,但同時隨意為另一層旋律移調,會為之創造出一種空間感,結構會變得明晰,而整體也更具動感。但讓所有的元素都隨意移調也許就會顯得有些失序了,聽者也會因缺乏以主要旋律作為引導而失去耐心,但無論如何,若整首歌都沒有移調,那又會顯得過於無趣了。

9.你需要讓自己的整體旋律具有足夠的能量。這樣他們在進一步的發展與改編後依然可以保持最初的聽覺特質,即使是調整了音調,加入了新的元素,最初的旋律依然清晰可辨。這樣的旋律在重復、比較中也能穿過多變的表層旋律直入內心。在創作交響樂時,你甚至不必再協調背景與主音之間的聲音輕重,旋律的靈魂已經早已深入聽眾大腦揮之不去。關於作曲的指導往往會局限於那些大眾化的作曲動機及與之相關的技巧。雖然這些技巧幾乎適用於所有的音樂風格,而且常常被人廣泛利用。但我不準備再給你關於所謂技巧上的建議(它們早就被別人解釋過一萬遍了),技巧的確很重要,但我更願意給你們 說說 技巧之外的同樣重要的問題。

最後,咱不用再說分析經典總譜有多重要了吧。畢竟,寫出好曲子不僅是寫出好的旋律段落,你還得知道如何將它們恰到好處地良好組織。
學習作曲的技巧
要熱愛生活,體驗生活,善於觀察生活

平時,在生活中要多看、多聽、多分析、擴大視野,增加生活積累。不但要對各種人、各種事善於體察、分析,還應對美好的大自然——山川、田野、大海、江河、風、花、雪、月 等等有更深的了解。只有這樣,當你想寫有關題材的歌曲時,才不至於腦子空空,毫無聯想 。試想,如果一個作曲者連山都沒有見過,怎能寫好一首登山的歌曲呢?最多隻能藉助於影 視或書本的間接介紹,但他決不能體會到登山時步履的節奏韻律,及攀登山頂後胸懷歡暢的 心情。

要有一定的 樂理知識

歌曲是通過音樂來表現的,而音樂則需用樂譜記錄下來的。因 此,歌曲作者必須具備相當的樂理知識,青少年朋友應在這方面先打下良好的基礎。試想, 一首好的歌詞打動了你,你很想把它譜成曲,然而,頭腦中浮現的歌聲,卻不知如何用音 樂符號來表達;或者雖然用音樂符號記述下來了,但不確切、不完整,甚至與自已的本意相距很遠,這樣是寫不好歌曲的。3要善於學習各種音樂語言 歌曲是通過音樂語言來表情達意的,所以要想寫好歌曲, 首先要學會積累豐富的音樂語言。日常生活中,一個人的口才好,人們誇獎他“出口成章”,這並不是天生的,而是語言的不斷積累和反復鍛煉的結果。同樣,你若想寫好歌曲,也應不斷積累起豐富的音樂語言,供自已在創作實踐中運用。或許有些朋友會問,從哪裡去找音樂語言?怎樣積累?途徑是很多的,如我國各民族、戲曲、曲藝和傳統樂曲,聶耳、冼星海、蕭友梅、黃自等老一輩作曲家的優秀作品,目前流傳很廣的一些優秀的藝術歌曲、群眾歌曲、通俗歌曲、新歌劇及影視音樂,以及外國古典及現代的優秀音樂作品,我們都應該熟悉和認真借鑒。就像海綿吸水那樣,吸收越多,儲備充足,到需要參考借鑒的時候,就能得心應手地為你所用。學習前人的創作 經驗 是文藝創作的必由之路,歌曲創作也不例外。如果掌握的曲調很少那麼你的音樂語言就不會很豐富,有時顯得蒼白、單調。當代著名作曲家如賀綠汀、李煥之、劉熾、瞿希賢、王洛濱、施光南等的作品,都與民間音樂有著“不解之緣”,並從古今中外的優秀音樂作品中,吸取了豐富的音樂養料,所以他們的作口才能受群眾的喜愛。對於前人的作品還應善於學習,要分析他們的得失成敗,而不是盲目照搬,因為生活本般是豐富多彩的,而且每時每刻都在變化發展著的。還要學會分析自已的歌曲,經常給自己當老師,不斷總結經驗都訓,本著精益求精的態度,才能迅速提高。此外,有條件的朋友,還應多掌握些音樂知識及作曲技巧,比如與歌曲創作直接有關的和聲、復調及作品分析等知識。它們能幫助我們學會透徹地分析歌曲,提高創作技巧,更快地掌握作曲本領。

要有相當的文學基礎 歌曲是音樂與歌詞的結合

因此,歌曲作者的文學水平將直接關繫到歌曲的創作質量。要熱愛文學,關心文學,並不斷提高自已文學水準。對於小說、 報告 文學,並不斷提高自已文學水準。對於小說、報告文學、 散文 ,尢其是詩詞應給予很大的關注。歌曲作者必須具備一定的文學修養,比如對各種詩詞的了解,包括流派、創作及聲韻特點等。希望朋友們不斷提高自已的文學修養,以適應歌曲創作向我們提出的日新月異的要求。有了生活體驗,又常握了一定的寫作技巧,就應“勤寫多練“了。學到的知識如果只停留大書本概念上,不去實踐,不經常磨練,是寫不出好的曲調來的,所謂“熟能生巧”就是這個道理。但是,我們說的勤寫,是要動腦筋有意圖地寫,而不是無目的地瞎寫。比如,可以根據合適的歌詞寫一首完整的歌曲,也可以根據自已的能力,按特定的情緒要求寫一段曲調,甚至只求寫好一個或幾個不同的樂句,從中得到鍛煉和提高。循序漸進的規律,對於學習作曲同樣是適用的!

作曲對於我們音樂 愛好 者來講,也不是可望而不可及的事。俗話說:熟讀唐詩三百首,不會作詩也會吟。我們聽多了別人創作的優秀作品,有時自己也能哼出幾句別致的旋律,而這就是樂曲創作的火花。只是多數人都未能將其點燃成一團火,成就出一首作品就是了。

有興趣作曲的網友,不妨學習一下 簡譜 ,先把自己哼唱的旋律記錄下來,這個不難。如不會簡譜就先錄下音。否則你以後往往就想不起來了,”火花“熄滅,悔之晚矣。

不過往往我們自己哼唱的新旋律和我們聽過的某首歌中的一段相似,這是難免的,初學嘛。也很可能記錄下的旋律,經一段時間再聽,感覺不咋樣了,那就廢掉,重找靈感。

『伍』 關於作詞法,各位有哪些是學音樂的,能說說如何給一首歌曲作詞,讓歌曲結構整齊,上口

第一論:歌詞要重歌唱性

詞作家的詞作集,曲作家的曲作集見的不少,而詞作家的歌曲作品專集見的不多,這需要詞作家被譜成曲的詞作有足夠的量才行。為詞譜曲有兩次選擇,先是詞作家自己的取捨,後是作曲家對詞的取捨,作曲家有自己的選詞標准。歌詞的音樂性是應該引起詞作家的足夠注意的。

歌詞是可唱的詩,音樂就是雙翼,歌詞必須依賴於它才能飛翔。什麼樣的歌詞才能引起作曲家的共鳴?才能誘發出作曲家的靈感呢?這首先依賴於歌詞的可歌唱性。歌詞這一特徵,是決定作曲家對歌詞的取捨,並能否順利進行譜曲的依據。「可歌唱性」雖然不是評判歌詞價值的惟一標准,但卻是一首詞能否變成歌聲,獲得其「歌詞」的生命的依據。

作曲家對歌詞可歌唱性的要求,大體是:無論是抒情的還是激情的,無論是藝術性的還是群眾性的,大都應讓作曲家從詞中感到或構思上的新穎,或語言上的精巧,或讓人熱血沸騰,或讓人浮想聯翩等等。

歌詞的語言不應太生僻、深奧,但也不能太缺少文學品味。用中國詞聖喬(羽)老爺的話說就是「好的歌詞是一首好詩,而一首好詩不一定是一首好歌詞」。

歌曲的結構長度由內容和體裁要求而定。歌詞篇幅一般不宜太長,每段的句數不宜太多,一個句子的字數也不宜太多。詞不必寫太滿,多留一點餘地音樂,這是多數曲作家的共同要求。膾炙人口的《難忘今宵》(喬羽詞王酩曲)就足以說明以上問題。喬老爺的詞作大多是一段體,這樣簡短的歌詞,一是給音樂留下更多空間,二是不把詞中的內容全部寫出來,留給聽者、唱者一個空間,讓他們去追溯,去浮想聯翩,去玩味。詞界和曲界的朋友都知道,喬羽先生是從不寫一個廢詞的大家,而且他寫詞的一個信條是寧可少寫一段,也絕不搞文字堆棄,更不寫無病呻吟之類的東西,他的詞往往有很高的研究價值和藝術價值。

歌詞的節奏韻律對曲調至關重要,節奏是旋律的依託。一首朗朗上口、頓挫有序的詞,譜起曲來自然生動,可以譜成多種樣式的旋律。反之,生硬、拼湊,尤其是那些句子又長,又無節奏韻言的歌詞,常常使曲作家絞盡腦汁。另外,詞作家一定要把詞的開頭寫好,從一開始就吸引住作曲家繼續譜下去的慾望,這是非常重要的。

當然,作曲家對詞的要求,根據個人的喜好還有許多,以上提到的也許只是共同的、起碼的要求而已。

寫《山路十八彎》的詞作家佟文西關於歌詞的可唱性的一段論述是這樣的「歌詞並不完全等同於詩,它與詩的不同點在於:歌詞是要給人看,供人譜曲,給人唱,供人聽的,故其必須具備可唱性,並受音樂的制約。」文西的詞就一直是沿著他給自己劃定的目標努力寫作的。所以他的詞有相當好的可歌唱性,被譜率很高。歌詞應具有的可歌唱性,還有一方面是它要受歌曲曲賦的某種制約,這與詩詞是不同的。要想使一首歌詞被譜成曲,就應使詞作者的詞符合一定的歌曲曲式要求,如一段體、兩段體、三段體、多段體分節歌曲式等。如果一首歌詞不講究或不遵循歌曲的曲式要求的話,曲作者譜起曲來是很難的,即便譜好了,也難被歌手和觀眾所接受。

我們的歌曲創作大多是按詞譜曲,即先有一度創作的歌詞,後譜成二度創作的歌曲。一方面詞中的寫作對於歌曲的形式有著前提性意義;另一方面曲的寫作又對歌曲的成功與否有著決定性意義,詞曲作家需要溝通,需要交流,共同打造成功的歌曲。

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(這個不錯!)
作詞密笈

作詞密笈作詞密笈
Q1.先有詞還是曲
一首歌詞與旋律搭配,不一定有先後之分的,對於我自己的經驗來講,合作的作曲人通常是先有曲給我,然後再填詞,也有少數作曲人會先要求我提供歌詞給他們,原因是他們覺得這樣會有比較多主題的刺激,甚至在詞里寫到某種場景或某種情緒,他們也可以在你的框框你的格式里去做發揮,但這樣的機會算是比較少的,對那些熱愛寫詞的人,如果你身邊沒有作曲的朋友,你的歌被發表,或被完成的機會也少的多,這就是目前唱片工業中一個無奈的現況。

Q2.怎樣是好的歌詞
怎麼樣算一首好詞,我想這是很大的問題,應該說這首歌最後可以產生動人的力量,那詞應該是沒有扣分的,一首歌有詞、有旋律、有演唱人、加上編曲,一首歌可以受歡迎,勢必有整體的分數在裡面,就像一部電影一樣,你可能會覺得這部戲的劇本很好,或是演員的演技特別好,還是美術的設計很不錯,諸如此類每一個單項的分工一定會有它的強弱,我很少看到一部佳片是每一個部份都很好的,如果一首歌真的夠流行,夠轟動,應讓是每個部份都發揮它的一個力量,詞的本身如果能夠很特別很醒目,讓人知道你在說什麼,這當然是一個作詞者的成功,我覺得這是一個綜合性的藝術,更重要的是,整個事件完整的搭配起來,是不是很好的。

『陸』 歌詞與曲子之間的關系怎樣寫出歌詞創作歌詞

首先要知道一些音樂的曲式結構---;
其次要知道一點詩詞常識------(歌詞可以說是詞的一種)
再根據要表達的形象和音樂曲式結構創作歌詞
要求:歌詞一般不用典,要平易近人。當然--押韻是不可缺少的。

『柒』 怎樣分析歌曲的結構

  • 如何鑒賞音樂作品:

  • 音響感知是指通過音樂欣賞者的聽覺而獲得的對音樂音響及結構形式完整的接受。在音樂欣賞的感知活動中,音響感知是整個音樂欣賞的前提和基礎,音樂欣賞中一切感情體驗與形象聯系都以音響感知為基本,如果離開了對音樂音響及其結構形式的感知,就談不上對音樂作品的進一步欣賞。音樂作品的實際音響是以節奏、旋律、和聲等音樂諸要素相互參與、相互合作,經人為的藝術加工而形成的「聲音工藝品」,我們的耳朵可以直接感覺到,但我們的耳朵必須是經過訓練且能分辨音樂的耳朵,否則,就難以接受、理解這種音響外層的「工藝品」。具體說來,音樂音響的感知能力主要體現在以下幾個方面。

1.對音樂音響的辨別能力

這是指對音樂的音高、節奏、力度、音色等基本要素的辨別能力,如果欣賞者具備了對這些音樂要素的辨別力,也就具備了音響感知的基礎。《淮南子》中就曾記載,「六律具存而莫能聽者,無師曠之耳也。」「師曠之耳」就是能辨別音響的耳朵。如果一個人2/4拍和3/4拍子都分不清,他就很難分辨出進行曲和圓舞曲的不同音響效果;如果欣賞者對各種樂器的音色缺乏辨別力,那就會影響他對於管弦樂作品的欣賞。因此,培養對音樂的辨別力,對音響感知具有首要意義。

2.對音樂音響的感受能力

音樂音響的感受力包括旋律感、節奏感、多聲部的音樂感以及對樂曲結構的整體感知等幾個方面。其中旋律感主要是對不同旋律的特點進行感受,並由此達到對旋律美以及對其中蘊含的感情內容的體驗。節奏感決定著音樂的表情性質和風格特徵,要獲得音樂的美感,就必須培養起良好的音樂節奏感。多聲部音樂手法廣泛應用於合唱、鍵盤音樂、管弦音樂領域,只有具備多聲部音樂感,才能懂得各聲部的組合和音樂的和聲效果。對樂曲結構形式的整體認知是把音樂的各種要素合成至完整的樂曲的感知活動,實現完美的音樂感知。

3.對音樂的注意力和記憶力

音樂是時間的藝術,音樂的音響材料是在時間中展現並隨著時間的運動轉瞬即逝。注意力能始終保持對音樂的新鮮感,記憶力能使音樂留下深刻印象並使音樂的進行得以延伸。如果欣賞者在欣賞過程中沒有對音樂的高度注意力和記憶力,就不可能得到對音樂的整體認知。[2]

欣賞音樂在達到完美的音響感知的同時,也在藉助於內心聽覺而引起的情感體驗。古代文化理論家劉勰說:「夫綴文者情動而辭發,觀文者披文以入情。」意思是說創作者是由於情感的激發而創作作品,而聽眾是通過作品體驗其中感情的。欣賞音樂要通過音響感知較准確地體會到作品所表達的情感內涵。

欣賞音樂的過程,就是感情體驗的過程,它既是欣賞者對音樂的感情內涵進行體驗的過程,同時也是欣賞者自己的感情和音樂中表現的感情相互交融、發生共鳴的過程,在這個過程中,良好的音樂聽覺能力將會給欣賞者帶來深刻的情感體驗,主要表現在以下兩點。

第一,准確、深刻、細致地體驗音樂作品的感情內涵。有了良好的音樂聽覺能力,結合對旋律、和聲、節奏、速度、力度、音色、曲式、體裁等音樂以及音樂以外的文字因素等表現手法的理解,可以正確理解音樂。前文說過,音樂是聽覺藝術,良好的音樂聽覺是正確欣賞音樂的基礎,我們無法想像不能辨別音高、節奏、音色的人能從音樂中獲得深刻的情感體驗。

第二,緊密結合欣賞者的生活體驗及情感欲求。良好的音樂聽覺能力可以將欣賞者迅速帶入音樂意境之中,使欣賞者緊密結合自己的生活體驗欣賞音樂,獲得更深刻的情感體驗。琵琶協奏曲《琵琶行》,描寫了詩人白居易被貶任江州司馬期間,在船上聽到一位淪落地方的長安樂伎演奏琵琶曲,聯想自己「謫居卧病潯陽城」的處境,發出「同是天涯淪落人」的感慨,「座中泣下誰最多?江州司馬青衫濕」,這種強烈的感情共鳴是其他在座人所不及的。

『捌』 一首歌的歌詞結構 詳細解釋

歌詞是左右歌曲創作的魔杖
歌詞創作,是橫跨文學和音樂兩種藝術形式的交叉領域,要求歌詞的創作者既要具備文學知識,又要對音樂創作的基本規律有所了解。 利用好原則這把剪刀
作詞的幾項原則:
1, 歌詞與詩是兩種藝術載體,歌詞與詩雖然有相同的共性,但歌詞就是歌詞,不是詩,詩也不是歌詞,兩者表達方式不同,現代流行歌詞尤其這樣。
2, 歌詞主題要突出集中,歌詞的選材可以寬,但選題要集中,主題一定要突出,不要在一首歌里出現太多事件,太多線索,太多形象,太多人物或太繁瑣的時間地點。
3, 歌名,標題要有新意,形象且鮮明。
4, 歌詞要有流行句,記憶點。
5, 歌詞語言要簡潔,口語化和具有時尚性,通俗性。
6, 歌詞結構要分明,清晰,歌詞構成的基本元素是字,音節,句式,段落。其樣式是受到一定的曲式結構所限制的,歌曲曲式中最基本的幾個結構要素分別為主歌,副歌,插句,以及記憶點。因此,一首歌詞應有段落,有層次,有高潮,有對應和對比。
7, 歌詞要注意故事性和情節性。

搭好歌詞結構框架
歌曲與詩的最大不同,就在於結構形式的規范不同,這種規范只能稱作大體規范。不規范與規范是相對的,初學寫作必須了解清楚歌曲的基本規范。
我們強調的是歌曲有其獨特的風格韻味,也有它優美動人的語言,如果初學者忽視歌詞創作必須符合歌曲曲式結構的規律,就是最大的錯誤。
一個詞人的思維邏輯常常表現在他們結構布局上。
即大結構的段落,小結構的層次。

結構原則:
1;歌詞結構必須服從所表現的主題思想感情,人物活動,情節發展,環境描寫,感情延伸的需要。
2;歌詞的結構安排,必須符合事物,故事,情節內在聯系,要合情合理,合邏輯。
3;結構安排要層次清楚,連貫,簡潔。
4;歌詞結構應充分考慮歌曲載體,演出形式等因素,因形式不同而結構不同。
一般流行歌曲的結構是以主歌(A),副歌(B),過度句(插句)(C),流行句(記憶點)(D),橋段(序唱,過門,間奏),(E)等組成,一般來說,單二部曲式最為多見。

『玖』 請教:寫歌詞的基礎要求

寫歌詞基本要求:

1、盡可能描寫自己有著強烈感觸的故事和情感;

2、對人性、感情乃至人生要有比較深刻的體悟和見解;

3、要注重細節的刻畫,尤其是很多人都可能有類似經歷的那些細節;(文字的畫面感也很重要。)

4、不要說評書,要發揮詩歌跳躍性強的特點,「鏡頭」對准最有代表性的畫面;

5、不要只有抒情沒有故事,哪怕講得再含糊也要有一點故事的「碎片」或「影子」;

6、要有最精華的句子來作高潮,「語不驚人死不休」,沒有想出精彩的詞句就堅決不動筆。

(9)歌詞結構怎麼影響歌曲結構擴展閱讀

1、歌詞與詩是兩種藝術載體

一首好歌詞首先是一首好詩,但一首好詩未必是一首好歌詞.只有具備音樂性、節奏性的詞,才可以使歌曲錦上添花

2、歌詞的主題要突出集中

歌詞選材很寬,但選題一定要集中。切忌在歌里出現太多事件、線索、人物、形象……

3、歌名要有新意

歌名是歌詞主要信息和情感的集結點,要准確易記。

4、歌詞要有流行句和記憶點

流行歌曲的特點就是聽過幾遍就可以記住一兩句歌詞,這就是詞人設計的流行句。

5、歌詞語言要簡潔、口語化和具有時尚性、通俗性

冗長羅嗦的歌詞令人感到厭倦,要通俗易懂利於傳唱。

6、歌詞結構要明晰

歌曲曲式最基本的結構分別是:主歌、副歌、插句、以及記憶點(流行句)。要有層次、有高潮、有對應和對比。

7、歌詞要注重故事性和情節性

一首歌詞容量雖說不大,但它是一個故事的橫斷面,有頭有尾有大場景有特寫,整體局部相互輝映。

8、歌詞內容要積極健康

歌詞是作者思想感情的直觀公開表達。歌詞語言應避免過分沮喪、絕望、灰暗、偏激、粗俗。